{"title":"Vinyl","description":"","products":[{"product_id":"martha-rose-close-to-close-vinyl","title":"Martha Rose – „Close to Close“-Vinyl ","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe loading=\"lazy\" height=\"152\" width=\"100%\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/227EpYl1fl9ZF5olsmNVIq?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" style=\"border-radius: 12px;\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" allowfullscreen=\"\" frameborder=\"0\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp dir=\"ltr\"\u003e \u003cspan\u003eTraumhaft dahindriften, verloren vielleicht auf einer Wiese, die Sonne scheint und wärmt sanft die Haut. Frühlingsduft liegt in der Luft, und überall ist Leichtigkeit. Eine Leichtigkeit, die alles andere als oberflächlich ist, eine Leichtigkeit voller Frechheit, eine Leichtigkeit, die Verlust und Entfremdung kennengelernt hat. Das ist die Klanglandschaft, die Martha Rose für uns geschaffen hat. Sie weckt eine zarte, diffuse Nostalgie, einen Hauch von Einfachheit und fühlt sich gleichzeitig mystisch an. Willkommen in der Welt von Martha.\u003c\/span\u003e\u003cb\u003e\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003eDie englische Multiinstrumentalistin Martha Rose ist seit Jahren in der vielfältigen Berliner Underground-Musikszene aktiv. Mit\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e„Close to Close“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003egibt sie ihr Debüt beim Neuköllner Label Mansions \u0026amp; Millions, der künstlerischen Heimat vieler ihrer langjährigen Kollaborateure. „\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eClose to Close“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eist eine organische und introspektive Meditation, die einen fast traumhaften Seinszustand erzeugt, der sich gleichzeitig zerbrechlich und traurig, aber auch leicht und voller Liebe anfühlt. „Es betrauert die erkaltete Nähe“, erklärt Martha Rose, „und den stillen Verlust unausgesprochener, zerbrechlicher Intimität.“ Wenig überraschend entstanden die ersten Ideen für die Platte während „dieser einsamen Monate des Lockdowns“, erinnert sie sich.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003eEs dauerte bis Mai 2023, bis sie in Zusammenarbeit mit Produzent ET in seinem Studio in Neukölln ihre volle Wirkung entfalteten. Mithilfe von Vintage-Drum-Machine-Samples, Yamaha-Keyboards, die Martha Rose gesammelt hatte, und natürlich vielen eingängigen Live-Aufnahmen schufen sie die Welt von\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eClose to Close\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e. Neben Anspielungen auf traditionelle Lieder und Balladen aus Irland, England, Schottland und den USA fanden sie Inspiration in der Musik von Daniel Johnston, Kate Bush oder den Cocteau Twins, in Literatur, Kindheitserinnerungen, Märchen und DJ-Sets in typischen Berliner Clubs. „ET stellte mir viele wichtige und schwierige Fragen zu den Songs“, erinnert sich Martha, „um sicherzustellen, dass sie so gut und ehrlich wie möglich entstanden.“\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003eEhrlichkeit ist ein roter Faden, der die verträumten Klanglandschaften zusammenhält. Die Texte werden durch Marthas Mut vereint, Gefühle von Einsamkeit und Verletzlichkeit zu teilen. „Es scheint, dass das übergreifende Thema Liebe immer in meiner Musik präsent sein wird, egal was ich tue“, sagt sie. „Auch in diesem Projekt gibt es Themen wie Romantik, Selbstbeobachtung und Verlust.“ Diese persönlichen Erfahrungen dienen als Ausgangspunkt für die Entwicklung eines Songs, und durch die Verwendung fiktiver oder klassischer Charaktere (wie der antiken griechischen Figur\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eEurydike\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eim gleichnamigen Lied) und Archetypen entwickeln Mystik, Fantasie und Symbolik ein Eigenleben.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003e„Chin Up“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003ezum Beispiel, eine zarte Ballade darüber, mutig zu sein und auch nach Zurückweisung den Kopf oben zu behalten, beschwört traditionelle Folk-Traditionen aus dem Mittleren Westen der USA herauf. „\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eNever Love Enough“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e, das den Hörer in süße, glückselige Harmonien hüllt, stellt die Geschichte eines Liebesliedes auf den Kopf, indem es die Frage aufwirft, ob das lyrische Subjekt jemals der Hingabe des Geliebten gleichkommen kann. „\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eThe Love In Your Heart“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e, ein Aufruf zur Liebe ohne Angst, spiegelt das Gefühl des Friedens wider, das man findet, wenn man sein eigenes widersprüchliches Selbst akzeptiert.\u003c\/span\u003e „ \u003cspan\u003eThe Same Feeling\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e“ hingegen erkundet dunklere Tonalitäten und Themen. Martha sagt: „Es herrscht ein Gefühl von nächtlicher Gefahr und Glamour, und die Melodien in diesem Song sind unerbittlich und durchbrechen immer wieder die emotionalen Mauern, die sie zu verstehen versuchen.“\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003eAuf einem Album voller Höhepunkte\u003c\/span\u003e sticht \u003cspan\u003e„Heart Still Beats 4 U“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003edennoch hervor: Martha Rose kreiert einen Song, der zugleich subtil und doch unverkennbar Disco ist. „Es ist eine optimistische Klage über die Unmöglichkeit, seiner Liebe zu entkommen, der Soundtrack für einsame Nächte, in denen man heimlich auf einer glitzernden 80er-Jahre-Tanzfläche weint“, verrät Martha – und wenn es auf diesem Planeten noch Gerechtigkeit gibt, sollte dieser Track die Massen auf jede erdenkliche Tanzfläche locken.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp dir=\"ltr\"\u003e \u003cspan\u003e„Close to Close“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eist ein bemerkenswert prägnantes, sanft selbstbewusstes und beeindruckendes Debüt einer erfahrenen Künstlerin mit einer klaren künstlerischen Vision und dem Talent, diese Träume wahr werden zu lassen. In der Romantik steckt Mut, in der Verletzlichkeit, in der Sanftheit – und Martha Rose hat die Klanglandschaft dafür geschaffen.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp dir=\"ltr\"\u003e \u003cspan\u003e– Aida Baghernejad, Februar 2024, Berlin\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Martha Rose","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48898708144456,"sku":"MAMI44LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/ClosetoClosefront.jpg?v=1730559148"},{"product_id":"world-brain-open-source-lp","title":"World Brain – „Open Source“-Vinyl ","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe style=\"border-radius: 12px;\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/3zUPEKdFY8AdS9Efz2BMLs?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" loading=\"lazy\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003eWORLD BRAIN beglückte uns zuletzt 2019 mit einer Soloveröffentlichung\u003c\/span\u003e : \u003cspan\u003e„Peer 2 Peer“\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e. Wie der Name schon andeutet, erkundete dieses Album mithilfe von ausgefallenem Songwriting und instrumentaler Psychedelia die Versprechen und Gefahren universeller Konnektivität. Seine neue Veröffentlichung, „\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eOpen Source\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e“, vertieft diese innere und äußere Reise. Das Album sprengt die Grenzen des „Bedroom Pop“ und spiegelt einen Umzug von Berlin nach Paris – wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde – und weiter nach Brüssel wider. Es hat einen jazzigen, filmischen Rahmen (wie etwa im von Brubeck inspirierten Marsch „Fromage collatéral“) und hüllt den Hörer in eine kosmisch-pastorale Klangsphäre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003eViele Töne erinnern noch immer an die Software-Sounds vergangener Jahrzehnte (ein Paradebeispiel hierfür ist „cAPTCHA“, dessen virtuelle Marimba und Vocalese eine atemlose, von Exotica inspirierte Einleitung .mov für die\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eDatenautobahn\u003c\/span\u003e suggerieren \u003cspan\u003e), doch die Palette ist reicher und organischer geworden, angeführt von den Holzbläsern, die durchgehend eine tragende Rolle spielen, und der Flöte von Labelkollegin Martha Rose. (Auf dem bereits erwähnten „cAPTCHA“ hört man auch das Weltklasse-Pfeiftalent der unvergleichlichen Molly Lewis.)\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp dir=\"ltr\"\u003e\u003cspan\u003eDas auffälligste neue Element ist jedoch möglicherweise die Verwendung von WORLD BRAINs französischer Muttersprache, die von seiner Schwester Noémie in „Ville fleurie“ und dem hinreißenden, flatternden „Minute papillion“ (der Titel ist eine idiomatische Aufforderung,\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003elangsamer zu machen!\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e) gesungen wird. WORLD BRAIN schrieb diesen Text ursprünglich auf Englisch, aber er spürte, dass etwas nicht stimmte, und erkannte dies erst, als er ihn in einer anderen Sprache gesungen hörte. Dieser Entdeckergeist – die Entdeckung eines neuen Funkens bei der Rückkehr nach Hause – durchdringt\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eOpen Source\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e. Es lädt uns zum Spielen ein, ruft uns zum Entspannen auf, erinnert uns daran, inmitten des Trubels der Gegenwart Gelassenheit zu finden:\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003eminute papillon, dans le tourbillon\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"World Brain","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48898708406600,"sku":"MAMI45LP","price":21.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/FRONT_mid.jpg?v=1724686682"},{"product_id":"better-person-its-only-you-vinyl","title":"Better Person – „It’s Only You“-Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003cstrong\u003eSEIT 2019 ZUM ERSTEN MAL AUF VINYL ERHÄLTLICH!\u003cbr\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp id=\"isPasted\"\u003eSie sind sich nicht sicher, warum Sie beschlossen haben, allein in diese Karaoke-Bar zu kommen. Ein plötzliches Verlangen, Leute zu beobachten, nehmen Sie an. Sie singen nichts, sondern schlürfen nur hinten ein Getränk. In der ersten halben Stunde passiert nichts Ungewöhnliches. Dann betritt ein anderer Zuschauer, den Sie an einer Seitenwand stehen gesehen haben, die Bühne. Aus der Lautsprecheranlage ertönt ein leicht blecherner Drumcomputer. Das Lied kommt Ihnen sofort bekannt vor, aber Sie können es nicht richtig zuordnen. Es muss ein fast vergessener Hit aus den 80ern sein, den Sie seit Jahren nicht mehr gehört haben. Zunächst ist die Darbietung des Sängers so schüchtern, wie Sie es von einem Mauerblümchen erwarten würden. Aber langsam nehmen Sie ein tiefes, ruhiges Selbstvertrauen in seiner Stimme wahr. Er kennt das Lied offensichtlich auswendig. Er nimmt es wahr, als wäre es sein Zuhause. Tatsächlich denken Sie, seine Interpretation könnte authentischer sein als die des ursprünglichen Interpreten, obwohl Sie sich immer noch nicht erinnern können, wer das war. Obwohl es vielleicht erst Ihr zweiter Drink ist, der seine Wirkung zeigt, haben Sie schon fast den Verdacht, dass es sich nicht um ein Original handelt, dass das Mysterium auf der Bühne dieser unscheinbaren Bar irgendwie zum allerersten Mal ein völlig neues Lied singt. Als das Tempo langsamer wird und er beginnt, den nächsten Titel leise zu trällern, sind Sie sich sicher. Durch eine seltsame Wendung der Lynch-Magie hat dieser Mann auf der Bühne den Raum nach seinem Willen umgestaltet und seine eigene private Musik aus der Karaoke-Maschine gelockt.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDies ist die Art von Szenario, die man sich vorstellt, wenn man sich den Smoke Machine Pop von Better Person anhört. Seine (Adam Byczkowski) rätselhafte Bühnenpräsenz wird nur durch seine Unfassbarkeit als Plattenkünstler übertroffen: Obwohl er bereits mit den wunderbaren Kanadiern TOPS und Timber Timbre und als Keyboarder\/Gitarrist mit Sean Nicholas Savage auf Tour war, ist It's Only You mit sechs Titeln seine längste Veröffentlichung, die die von Kritikern gefeierten Singles „Sentiment“ und „I Wake Up Tired“ umfasst.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eWährend die klanglichen Eckpfeiler der EP – Torch Songs, Sade, Arthur Russell, synthetischer europäischer und japanischer Pop der 80er, französische und italienische Filmsoundtracks – allesamt unantastbar romantisch sind, gibt es eine romantischere Unterströmung der Isolation, die mit der Art und Weise beginnt, wie It's Only You gemacht wurde – alles aufgenommen auf einem Computer zu Hause, in der Berliner Pannierstraße (derselben Straße, in der letztes Jahr Wasted Dawn von Magic Island aufgenommen wurde). Byczkowski bringt einen Aspekt der jüngsten Hinwendung zu neuromantischen Klanglandschaften und R\u0026amp;B-Emotionen in den Vordergrund: Crooning als Form der Selbstverführung, eine Art Therapie, ein unmöglicher Kompromiss zwischen den unvereinbaren Polen von Intimität und isolierter Selbstgenügsamkeit. Der Titel selbst fängt auf beiläufige, elegante Weise den paradoxen Phasenwechsel ein, der auftritt, wenn die Bewegung in Richtung Nähe zu einem Eintauchen in die Einsamkeit wird. It's Only You ist der Klang, wenn die stimmungsvolle Beleuchtung so weit gedimmt wird, dass Sie nicht mehr sicher sind, ob noch jemand da ist.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDie Umwandlung von Alleinsein mit in Alleinsein entzündet eine Fixierung auf Erinnerungen und insbesondere auf deren Verflechtung mit dem Ort. Beim wiederholten Anhören entpuppt sich It's Only You langsam als ein Werk des (selbst auferlegten) Exils hinter einer Fassade der Verführung. Nach der Intimität bleiben nur sinnliche Überbleibsel zurück – Gerüche führen zu Erinnerungen („Ich habe einen Geruch gefunden, der mich nach Hause bringt“, singt Byczkowski im Opener „Somebody Cares“) und Erinnerungen an Zuhause und an Menschen führen zur Frage nach Ort und Zugehörigkeit. In „Somebody Cares“ führt „Ich habe einen Geruch gefunden, der mich nach Hause bringt“ zu „Ich versuche, all die Dinge um mich herum wahrzunehmen“ – Erinnerungen an dort erfordern Aufmerksamkeit für hier –, aber er schließt mit „Nur Gott weiß, wo ich leben werde“. „I Wake Up Tired“ enthält die klagende Bitte „Zeig mir einen Ort, an dem ich mich zu Hause fühle“; während der Refrain von „Everything Cold“ die Frage aufwirft, die sich jeder Auswanderer in Berlin stellt: „Warum ist am Sonntagabend alles geschlossen?“ Im immer noch erstaunlichen „Sentiment“ ist sich der Sänger seiner Identität nicht sicher, und ihm bleibt nur das Gefühl, eben weil er „nie von hier sein wird“. Die wahre Offenbarung von It’s Only You ist jedoch möglicherweise der letzte Track „Your Smell“, der über einem tragikomischen Funk-Shuffle alle Themen von Byczkowski in einen Kokon aus schöner Verwirrung hüllt: verlorene Liebe, verlorene Orte und sich selbst wiederzufinden, flüchtig, vorläufig, auf der Suche nach ihnen.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Better Person","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48903038665032,"sku":"MAMI07LP","price":17.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/BETTER_PERSON_-_IT_S_ONLY_YOU_-_ARTWORK_WEB.jpg?v=1730756022"},{"product_id":"better-person-something-to-lose","title":"Better Person – „Something to Lose“-Vinyl","description":"\u003cp\u003e Hast du etwas zu verlieren? Vielleicht die Art von Liebe, die dir klar macht, dass es im Leben mehr gibt, als sich im bläulichen Nebel einer weiteren verrauchten Bar zu verlieren? Berlins ganz eigener „Better Person“, der stille Prinz der internationalen Late-Night-Underground-Popszene der Stadt, hat es gefunden. Er hat die Art von Liebe gefunden, die das Dasein bereichert und die ganze Welt in satten Farben erstrahlen lässt, sodass sie plötzlich Sinn ergibt. Die Art von Liebe, die dich zu der Version deiner selbst macht, die du sein solltest. Die Art von Liebe, die dich zu einem besseren Menschen macht.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eBetter Person ist der Name des in Berlin lebenden polnischen Sängers und Balladensängers Adam Byczkowski. Nachdem seine EP It's Only You aus dem Jahr 2016 den Sound nächtlicher Trunkenheit und niederschmetternder Gesangsstimme auf einer leeren Tanzfläche einfing, tourte der Sänger unermüdlich durch ganz Europa, Nordamerika und Asien, zog um und lebte in Montreal und Los Angeles und kehrte immer wieder nach Berlin zurück. Irgendwo zwischen diesen unterschiedlichen Städten verliebte er sich, und diese Liebe sollte zum Mittelpunkt und zur Inspiration für sein lang erwartetes Debütalbum werden.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDer junge polnische Sänger reiste nach Kalifornien, nachdem er Ben Goldwasser von MGMT in einem Berliner After-Hour-Club zufällig getroffen hatte. Aus der Vorstellung durch einen gemeinsamen Freund wurde ein nächtelanges Gespräch über gemeinsame Einflüsse. Eine zufällige Erhöhung von Byczkowskis Überziehungskredit durch eine Online-Banking-App (die Monate später in einer Tragödie endete) gipfelte in einem Umzug nach Los Angeles, um mit Hilfe des Produzenten sein Debütalbum fertigzustellen. Goldwassers Obsession mit Synthesizer-Programmierung und sein Gespür für generationsprägende Pop-Hooks unterstreichen die Stärke von Better Persons zutiefst persönlichem Songwriting. Das Ergebnis ist eine Erweiterung der inneren Welt von Better Person, ohne etwas von ihrer Rätselhaftigkeit einzubüßen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e„Something to Lose“ ist die Krönung von Better Persons Wunsch, Intimität durch zarte Balladen zu fördern. Eine faszinierende Kombination aus vergessenen Euro-Pop-Tropen mit einer eleganten Sophisti-Pop-Palette bildet den Hintergrund, vor dem sein geschmeidiger und detaillierter Gesang gedeiht. Während „Dotknij Mnie“, das vollständig auf Polnisch gesungen wird, eine Anspielung auf die dunkle und gotische Stimmung ist, für die Better Person bekannt ist, geht der Titelsong „Something to Lose“ in eine entschieden sonnigere Atmosphäre über. Byczkowski singt sanft über seiner charakteristischen Kombination aus FM-Synthesizern und Drum Machines, diesmal leicht verziert mit akustischen Gitarrenklängen, Congas und geschichteten Vokalharmonien, um das Arrangement aufzulockern und den Klang in Richtung Yacht-Rock zu transportieren, zweifellos beeinflusst von seiner Umgebung in Los Angeles, einer Stadt, die dafür bekannt ist, der dort gemachten Musik ihre goldenen Farbtöne zu verleihen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eObwohl „Something to Lose“ eine Feier der Liebe ist, steht die erfrischende Ehrlichkeit und Selbstverleugnung, die Fans von „Better Person“ kennen, immer noch im Mittelpunkt der Texte. Byczkowski mag ein Träumer sein, aber er macht sich keine Illusionen über die reale Welt. Das Album ist eine Proklamation einer neu entdeckten Hingabe, aber auch der damit verbundenen Verlustangst. Es geht nicht nur um Liebe, sondern um die Bittersüße des Lebens, die Angst und Dunkelheit, die selbst den euphorischsten Moment unterstreichen.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Die Reise des Albums endet mit „Ostatni Raz“, einem langsamen Tanz zwischen Nylonsaitengitarren und einem schwebenden Saxophon, das über den beruhigenden Klängen brechender Wellen und glatter bundloser Bässe schwebt. Die beruhigenden Elemente des letzten Titels sind eine Zusammenfassung des Albums selbst: eine offenkundig luftige Klanglandschaft, die ebenso herzlich, aufrichtig und beschwörend wie geschliffen und raffiniert ist. Wenn die letzten Noten im Nachhall verklingen, kann man fast die Meeresluft riechen.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Better Person","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48903043088712,"sku":"MAMI25LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/SOMETGING_TO_LOSE_-_front_3000px.jpg?v=1730756059"},{"product_id":"meagre-martin-gut-punch-vinyl","title":"Meagre Martin – „Gut Punch“ Vinyl ","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe style=\"border-radius: 12px;\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/23f1Z2QCkT1II5fN6SpJ2j?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" loading=\"lazy\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp id=\"isPasted\"\u003e Die Realität fühlt sich heutzutage wirklich wie ein Schlag in die Magengrube an. Sie raubt einem augenblicklich den Atem, und der Schmerz bleibt noch eine ganze Weile im Hintergrund, verblasst immer mehr, bis nur noch eine Erinnerung an den Schmerz übrig ist. Eine Erinnerung, die einen immer noch zusammenzucken lässt, wenn man nur an den Moment denkt, als sie einen traf und einen ausatmen ließ.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eAuf ihrem Debütalbum „Gut Punch“ kreiert Meagre Martin einen Sound, der von Shoegaze, 90er-Indie oder „Faux Country“, wie die Band es nennt, inspiriert ist, und stellt diesen wunderbar leichten Klanglandschaften Texte gegenüber, die mit ihrer Verletzlichkeit und Tiefe die Süße des Klangs Lügen strafen. Die Texterin, Sängerin und Gitarristin Sarah Martin (sie\/ihr) und ihre Bandkollegen Federico Corazzini (Schlagzeug, Technik, er\/ihn) und Max Hirtz-Wolf (Bass, er\/ihn) haben elf Tracks geschaffen, die wunderbar ineinander übergehen und Bilder von kalifornischen Wüsten und Berliner Kellern, von langen, nachdenklichen Gesprächen in der Dämmerung, von Tagen, die im Park zu Nächten werden, und Nächten, die im Studio wieder zu Tagen werden, hervorrufen. Beginnend mit dem verträumten, ätherischen „Intro“ und endend mit dem völlig anderen, aber ebenso dunstigen „Outro“.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eIn den Texten erkundet Martin ihre Gefühle gegenüber ihrem Heimatland, den USA, sowie persönliche Traumata, Heilung, die Klimakatastrophe und das Massenaussterben. Letzteres jedoch mit einem ausgesprochen schwungvollen, lebensbejahenden Sound auf „The Big Death (TBD)“: „Ich will nicht sterben, es ist alles in Ordnung“, singt Martin, „die Bäume brennen und wir lernen nicht.“ Auf „Amerika“ reflektiert die Band ihr Herkunftsland gleichzeitig aus der Perspektive von Insidern und Außenseitern: „Lobe den Herrn in Amerika, schütze deine eigenen Leute in Amerika, arbeite bis auf die Knochen in Amerika, dann machen wir weiter in Amerika“ – Texte, die lakonisch, aber auch angesichts des Aufstiegs des religiösen Autoritarismus vor den Präsidentschaftswahlen im nächsten Jahr sehr dringlich und aktuell wirken. Martins direktes, ehrliches und wahrhaft authentisches Songwriting erhält durch die Produktion Form und Raum, sich in alle Richtungen zu entfalten, wobei ihre einzigartige Stimme die Zuhörer immer tiefer in die Welt hineinzieht, die das Trio gemeinsam geschaffen hat.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e„Wir sind das Album auf eine ganz traditionelle Art und Weise angegangen, Musik zu machen“, erklärt Corazzini, „es fühlte sich an wie eine Selbstbefragung als Band, wir drei zusammen.“ Da Corazzini durch seinen Job als Studioingenieur Zugang zu den legendären Butterrama-Studios in Berlin hatte, konnte sich die Band in Ruhe einen einzigartigen Sound entwickeln, der gleichermaßen zeitgenössisch ist und dennoch mit einem Hauch goldener Nostalgie schimmert. Das Trio nahm fast alles live zusammen auf und nutzte die analoge Ausrüstung und Technik, die das Studio bietet, und schuf Songs, die sich im besten Sinne bemerkenswert gelebt anfühlen. Es überrascht nicht, dass die junge Band (sie wurde erst im Februar 2022 zum Trio und ging im darauffolgenden Sommer sofort ins Studio) Künstler und Bands wie Big Thief, Snail Mail, Cate Le Bon und natürlich Fleetwood Mac and the Mystique zu ihren Inspirationen zählt.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eMit „Gut Punch“ veröffentlicht Meagre Martin ein bemerkenswertes Debüt, das sich vertraut wie ein guter alter Freund und gleichzeitig frisch anfühlt. Der üppige Sound bildet die ideale Grundlage für die Geschichten, die Sarah Martin, Federico Corazzini und Max Hirtz-Wolf erzählen möchten. „Gut Punch“ schlägt eine Brücke zwischen Indie-Sentimentalität und aktuellen Themen und ist ein Album, das zeitgemäß und zeitlos zugleich ist. Es stellt Meagre Martin als eine der nachdenklichsten, menschlichsten und aufregendsten Bands der zeitgenössischen Indie-Szene vor. Und ich persönlich kann es kaum erwarten, was noch kommt.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Meagre Martin","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48903692648776,"sku":"MAMI41LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/ARTWORK_big.jpg?v=1730559366"},{"product_id":"john-moods-the-essential-john-moods-vinyl","title":"John Moods – „The Essential John Moods“ Vinyl","description":"\u003ciframe style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/6yluHZ4EXwXBrjecaBcgwP?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Allein auf der Welt finden wir uns selbst. In unserem Inneren finden wir etwas, das wir mit der Welt teilen können.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eThe Essential John Moods, ein Soloalbum im wahrsten Sinne des Wortes, ist das, was Jonathan Jarzyna von Fenster während eines Sommers beim Wandern entlang der iberischen Küste in sich selbst entdeckte und nun mit Ihnen teilen möchte. Mit einer Minigitarre auf dem Rücken und einer Kopie von GarageBand auf seinem Telefon konnte Jarzyna jeden Abend Songs aufnehmen, wenn er nach einem langen Tag zu Fuß in einer neuen Stadt ankam. (Zugegebenermaßen fügte er in Berlin Live-Drum-Tracks und einige zusätzliche Instrumente hinzu.) Das Album bewahrt dieses peripatetische Gefühl, wobei sich jeder Song auf den nächsten bezieht, wie eine Stadt oder ein Dorf auf seinen Nachbarn, wobei seine einzigartige Lage im Kontrast zur gemeinsamen architektonischen Sprache steht. Flüchtige Instrumentalzwischenspiele („Trainride“, „Pontevedra“, „Coastal Way“) fangen sogar das chaotische, wahnsinnige Gefühl von Verkehrsknotenpunkten und das schlaftrunkene Mysterium des Aufwachens auf einer unbekannten Straße ein.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e„Ich bin gerade völlig lebendig geworden“, sind die ersten Worte, die Jarzyna auf „New Spring“ murmelt und damit den Geist des Albums beschwört. Er spricht nicht von der Lebhaftigkeit manischer Aktivität, sondern von der gesteigerten, zarten Sensibilität der Präsenz. Es ist eine Fülle des Lebens, die durch den Übergang vom üppigen, klirrenden Groove von „The Weight“ zur weitläufigen Kontemplation von „Pawns“ eingefangen wird. Das verträumte Echo der Softrock- und Folk-Troubadoure der 60er und 70er durchdringt das Album, und das orgelgetränkte „Where In The World“ hat sogar einen psychedelischen Anflug. Aber die Gesamtwirkung ist ziemlich zeitgenössisch, vom Lounge-Funk im hinteren Teil des Nachtbusses von „Take It Home“ (mit einer erstaunlichen Wendung des Erz-Crooners Sean Nicholas Savage) bis zum traurigen Schrank-Jazz von „Almost Gone“. „Dark Wall“ klingt wie ein Honky-Tonk-Geplauder neben einem Roboter, der zaghaft lernt, Lap-Steel-Gitarre zu spielen. „Leap of Love“, ein frühes Highlight des Albums, überzieht den Hörer in schimmernden Wellen, ein Liebeslied, das selbst für seinen Schöpfer ein Rätsel bleibt.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eFür die Coda „Relax Your Foot“ des Meditationsbands wählt Jarzyna das perfekte Sample aus, um die hoffnungsvolle Aufnahmebereitschaft von The Essential John Moods zusammenzufassen: Der verstorbene Professor Carl Sagan erinnert uns daran, dass „wir Menschen trotz unserer Grenzen und Fehlbarkeiten zu Großem fähig sind“.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"John Moods","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48903738884424,"sku":"MAMI15LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/the_essential_johnmoods_mid.jpg?v=1730756387"},{"product_id":"world-brain-peer-2-peer-vinyl","title":"World Brain – „Peer 2 Peer“-Vinyl","description":"\u003ciframe style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/0yj7MLtNm1dfYoiqU0hONP?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Wie weit man seinen Triumph auch zurückverfolgen mag, wir scheinen immer noch in der Welt des Poptimismus zu leben. Es ist allerdings unklar, was für eine Welt das ist. Es war schon immer ein selbstreferenzieller Optimismus: Dem Pop wurde versprochen, die Freuden des Pop zu liefern; nicht mehr und nicht weniger. Wir bekamen nie eine Vorstellung davon, wie ein Pop-Utopismus aussehen könnte.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eUtopie ist kein Ort; der Utopismus beschäftigt sich mit den unsichtbaren Potenzialen, die in den Zwischenräumen unserer Welt schlummern. Lucas Ufo von Fenster, der als WORLD BRAIN aufnimmt, beschäftigt sich mit den Äthern, die uns umgeben – als eine seiner Inspirationen für Peer 2 Peer nennt er, am Fenster zu sitzen und „zuzusehen, wie WLAN ins Zimmer kommt“. Vielleicht ist dies der Kern der utopischen Vorstellungskraft – aufmerksam auf jene Teile der Welt zu starren, die wir nicht sehen können, von denen wir aber wissen, dass sie den Rest formen müssen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eWie der Titel des Albums andeutet, beschäftigt sich dieser Pop-Utopismus oft mit den romantischen Potenzialen der digitalen Technologie und ihrem zentralen Bild, dem Netzwerk. Während die Musik oft an die Studios der 1980er Jahre erinnert, erinnern die Themen eher an die Web-Positivität der 90er und frühen 00er Jahre. „Network“ folgt seinen Beobachtungssitzungen auf der Fensterbank und ist ein dreiminütiges Gitarrensolo, das diese WiFi-Signale imitiert. „Hyptertext“ nennt die Links, die unsere Erfahrung mit dem Internet verweben, eines der „wahrhaft modernen Dinge“. „\u0026lt;3beat“ stellt sich zwei Computer vor, die sich ineinander verlieben und über die Dinge diskutieren, die ihnen wichtig sind – „Netzwerke, die sich im Himmel spiegeln“. Die digitalen Liebhaber sind vor allem an der Lesbarkeit und Aufrechterhaltung der Verbindung interessiert, sind sich aber auch der beschleunigten Vergänglichkeit der Technologie bewusst: Der Sänger möchte sein Herz teilen – „bis zum nächsten Update“.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDer utopische Geist, der Peer 2 Peer durchdringt, beschränkt sich nicht auf eine Nostalgie für den Traum eines offenen Internets oder die Produktionsästhetik einer vergangenen Ära. Der Opener „The Pangean Anthem“ ist mit seinem Namen (nach dem Nirgendwo, das auf dem ersten Superkontinent ein Jeder-Ort war) und seiner ansteckenden Fröhlichkeit eine wortlose Absichtserklärung für das, was folgt. Die Lead-Single „Made U Cry“, die Anfang 2018 für Furore sorgte, richtet sich an Satan, den ursprünglichen Utopisten mit dem schönsten Lächeln. „Everybody Dies“, mit dem Über-Schnulzensänger und häufigen Mansions and Millions-Gast Sean Nicholas Savage, ist eine Art Thanato-Utopismus, eine glückselige, sanfte Meditation über den großen Egalitarismus der Sterblichkeit. „It's All True“, angetrieben von einem wahnsinnig ansteckenden Riff, das mit einem Windows 95-System-„Ding“ betont wird, listet einfach bekannte und alltägliche Phänomene auf und verliert sich in wundersamer Ehrfurcht vor der einfachen Tatsache der Existenz. In einer ähnlichen Stimmung fragt das passend sprudelnde „Bubble Tea“: „Ist es nicht süß, auf dieser Sphäre zu leben, ist es nicht wunderbar?“ Sogar der melancholischste Moment des Albums, „Besides“, nimmt eine kosmische Perspektive ein, verweilt bei den Parallelen zwischen dem sprichwörtlichen Sandkorn und den Körnern in einer einsamen Schüssel Reis und meditiert über die holografische Qualität der Stimmung.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003ePeer 2 Peer ist süß und albern, wehmütig und skurril zugleich und immer positiv. Wo andere die Vergangenheit als billige Quelle für Ironie oder Nostalgie ausbeuten, hat WORLD BRAIN eine Lichtung in gleichem Abstand zwischen damals und heute geschaffen, einen Nirgendwo, an dem eine Pop-Utopie im Miniaturformat gebaut werden kann.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"World Brain","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48907586732360,"sku":"MAMI18LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/cover_artwork_web.jpg?v=1730756667"},{"product_id":"j-vague-silver-vinyl","title":"J. Vague – „SILVER“ Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe style=\"border-radius: 12px;\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/2ULdpMv2VUT76x89aB1vRE?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" loading=\"lazy\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003cstrong\u003eDas Vinyl ist auf 150 Exemplare limitiert. Beide Seiten wurden von Hand mit silberner Farbe besprüht.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp id=\"isPasted\"\u003e Es geht immer um Liebe. Um Beziehungen, romantisch oder nicht, um den Raum zwischen dir und mir und der ganzen weiten Welt. Darum geht es auch bei J. Vague: Seine Debüt-EP „New Life“ war trunken vor Verliebtheit, schwindlig vor Gefühlen. Und es war Liebe auf den ersten Blick, für uns, das Publikum, und für J. Vague, den schönen Mann mit dieser umwerfend sanften Stimme und der geheimnisvollen Aura der Anonymität um ihn herum.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e\u003cspan\u003eUnd nun, zwei Jahre später? Die Gefühle sind, wie es in Beziehungen üblich ist, vielschichtiger geworden: J. Vague ist nicht mehr ganz so vage, wir haben ein bisschen mehr über ihn erfahren. Der Mensch hinter der Persona ist Joshua Gottmanns, multidisziplinärer Künstler, mit poppiger Vergangenheit (er war Teil der Bands Beat! Beat! Beat! und Oracles), der sowohl in der Medienkunst und Skulptur als auch im DJing und in der experimentellen Musik zu Hause ist. Und seit neuestem: einfach ein Popstar zu sein. Ohne den zerebralen konzeptuellen Überbau, der zeitgenössischer Kunst normalerweise anhaftet.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003cspan\u003eOder ist es tatsächlich da – ohne uns prätentiös zu erzählen, wie clever dieses Werk ist, ohne die ihm innewohnende Coolness zur Schau zu stellen und sich gleichzeitig dem Kitsch und bewusst überzogenen Ästhetiken, Klängen und Gefühlen zuzuwenden?\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e\u003cspan\u003eSILVER ist ein schillerndes Stück Pop, das wie Outfits in einer Umkleidekabine verschiedene Musikstile und Epochen ausprobiert und dabei gerne Y2K-Zitate, zeitgenössische Sounds und große Gesten kombiniert. Da wäre das minimalistische „Get More“, das in eine 80er-Jahre-Synth-Elegie übergeht, oder „Fire Fantasy“, das an die besten Tage des Alternative Rock und Grunge der Neunziger erinnert. Was die verschiedenen Songs in all ihrer Vielfalt eint, ist ein Gefühl der Sehnsucht: „Es geht um die Suche nach einem Gefühl der Zugehörigkeit – egal, ob es um einen Ort, eine Person, eine Situation oder einen Zustand geht“, erzählt uns J Vague, „es geht immer um ein Gefühl der Sehnsucht, eine Leere.“ Auch visuell setzt sich dieses Motiv fort, vom Cover, auf dem sein Gesicht Beuys- oder Bowie-artig in silberner Farbe festgehalten ist, bis hin zu den verschiedenen Videos, etwa zum bereits erwähnten „Fire Fantasy“, den Singles „nothing2hide“ oder „RedLight“: Obwohl J. Vague uns dieser Tage sein Gesicht zeigt, bleibt alles vage, wie eine Traum- oder Albtraumsequenz zwischen Vergangenheit und Zukunft. „Gerade weil ich mich täglich mit visuellen Dingen beschäftige, wollte ich für das Album diesen Aspekt der Platte in die Hände meiner Freunde legen, die die Ideen lieferten und die Produktion der Musikvideos übernahmen.“ Ein Video etwa wurde mit dem Handy auf der Insel Formentera gedreht, was ihm eine irgendwie surreale Unmittelbarkeit verleiht; die Idee für die alienhaft anmutende silberne Maske wiederum stammte von einem Fotografen und einer Visagistin.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e\u003cspan\u003eBei aller sprichwörtlichen Vagheit ist SILVER aber auch ein Bekenntnis zur Zusammenarbeit mit Freunden und Weggefährten: Die immer wieder durch andere Projekte unterbrochene Produktion entstand in Zusammenarbeit mit Dennis Juengel, Alina ist an der konzeptionellen Leitung des Projekts beteiligt. Der kollektive Schaffensprozess, geprägt von Austausch, Co-Kuration und Offenheit, schafft für J. Vague auch den Raum, mit ganzem Herzen in die Popmusik einzutauchen, in ihre großen Gesten und glitzernde Unbefangenheit.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e\u003cspan\u003eSILVER ist in jeder Hinsicht pure Popmusik, doch sie verzichtet darauf, allzu perfektionistisch zu sein und sich auf sanfte, gefällige Nichtigkeiten zu reduzieren. Stattdessen starren uns all unsere Lieblingssongs aus einem Zerrspiegel entgegen, so vertraut und doch so wunderbar fremd. Es ist eine Platte, die uns von gestern und von morgen erzählt, Popmusik voller Nostalgie und doch so zeitgemäß. Es ist Musik mit einem Augenzwinkern, die sich selbst aber trotzdem ernst nimmt, große Gefühle umfasst und sich fast bezaubernd unsicher anfühlt. Und vor allem: Es ist die Art von Popmusik, nach der wir uns so sehr gesehnt haben: lässig, unabhängig, einzigartig und voller Sehnsucht. Denn es ging immer nur um Liebe.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"J. Vague","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48907654725960,"sku":"MAMI36LP","price":15.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/FRONT_MAMI36_J-Vague_Silver_Cover.jpg?v=1730755938"},{"product_id":"discovery-zone-quantum-web-vinyl","title":"Discovery Zone – „Quantum Web“ Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe loading=\"lazy\" height=\"152\" width=\"100%\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/6gzu8SdPn7nAVy6xh3VSov?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" style=\"border-radius: 12px;\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" allowfullscreen=\"\" frameborder=\"0\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Gemeinsame Veröffentlichung mit RVNG Intl – Versand nach Deutschland, Österreich und in die Schweiz erfolgt ausschließlich über M\u0026amp;M. Für internationalen Versand bestellen Sie bitte über RVNG Intl.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp id=\"isPasted\"\u003eQuantum Web ist das neue Album von Discovery Zone, dem experimentellen Popprojekt der in New York geborenen und in Berlin lebenden Musikerin und Multimediakünstlerin JJ Weihl. Nach der langsam wachsenden, aber unbestreitbaren Begeisterung für Remote Control, das Debütalbum von Discovery Zone, macht Quantum Web buchstäblich dort weiter, wo JJ aufgehört hat. In einem ihrer Ansicht nach fortlaufenden, prozessorientierten Kontinuum ist Quantum Web die nächste Entwicklungsphase von Discovery Zone – es ordnet Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in dem unendlichen, unsichtbaren Netz, das uns alle miteinander verbindet.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDie Songwriterin, Sängerin und Multiinstrumentalistin zog Anfang der 2010er Jahre von ihrer Heimatstadt New York nach Berlin und entwickelte ihre musikalische Praxis über vier Alben als Mitglied der beliebten Art-Rock-Band Fenster, bevor sie 2020 Discovery Zone mit Remote Control vorstellte. JJ benannte Discovery Zone nach der Kette von Indoor-Unterhaltungseinrichtungen für Jugendliche voller Labyrinthe und Klettergerüste, die kurz nach der Jahrtausendwende geschlossen wurden – ein aus dem Kommerz geborener Ort, den sie als „glorifizierten Käfig“ beschreibt, der ihr und Millionen anderer Kinder dennoch die Freiheit bot, ihn zu erkunden. Die Musik von Discovery Zone spielt mit der Wahrnehmung unvermeidlicher gesellschaftlicher Kontrolle durch Unternehmen, findet jedoch ihre eigene Kraft und Befreiung in Klängen, die ihre institutionellen Quellen verschleiern.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eInspiriert von der Allgegenwart von Werbung und Unternehmenskultur ebenso wie vom Potenzial der Kybernetik und neuronalen Netze, taucht Discovery Zone mit Quantum Web in ein unheimliches Tal ein, wo die Unterscheidungen zwischen Ernsthaftigkeit und Ironie ebenso verschwimmen wie die Grenze zwischen dem Menschlichen und dem Post-Menschlichen. JJ schrieb eine Reihe von Quantum Web-Songs für Cybernetica, eine Multimedia-Performance, die sie 2021 in Auftrag gab. Sie katalogisierte ihre täglichen Aktivitäten als zu analysierende Datenpunkte, zerlegte ihr Leben in Statistiken und präsentierte sie einem Live-Publikum auf der Bühne, entpersonalisierte ihre Erfahrungen, während sie sie in all ihren banalen und doch intimen Details für sich beanspruchte. Quantum Web besetzt JJ in einer übereinstimmenden Rolle: ein von Maschinen vermittelter Popstar, der ebenso bereit ist, anonym in ihre Produktionen einzutauchen, wie sie als deren lesbare zentrale Figur glänzt.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eAuf Quantum Web erkundet Discovery Zone einen Breitwand-Popsound, der mit leuchtenden Gesangsdarbietungen und barocken Instrumentalklängen gespickt ist. Während JJs Stimme im Mittelpunkt der Komposition steht und fesselnd wirkt, kontrastiert sie Momente der Klarheit mit Strategien der Verschleierung durch hochauflösende Synthese und zeitdilatierende Atmosphäre. Vokodierte Texturen schichten sich zu dichten Chornetzwerken. KI-Text-to-Speech mischt sich abrupt in den Mix wie eine Lautsprecherdurchsage während einer Meditationssitzung. Staccato-Samples von JJs körperloser Stimme würzen die Arrangements und erzeugen ihre eigenen pointillistischen harmonischen Systeme, die eher eine Rolle als Synthesizer-Patch als als Gesangs-Take spielen. Quantum Web bezieht seine Kraft aus diesem zusammengesetzten Mosaik von Eingaben, als wolle es vorschlagen, dass all diese Formen immer noch JJs Kernselbst darstellen, egal wie weit sie von den Klängen abweichen, die von ihrer physischen Form stammen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eObwohl die Produktionsmerkmale, die wir auf Quantum Web finden, in der klaren Wiedergabetreue des zeitgenössischen, radiotauglichen Pops geliefert werden, scheinen sie uns eher mit der Körnigkeit und dem Trällern einer VHS-Kassette zu erreichen. In Zusammenarbeit mit dem Produzenten ET taucht JJ in einen Pool jahrzehntelanger Stile ein und findet Platz für Sophisti-Pop der 80er, modernen hyperdigitalen Bubblegum und frühen Electro. Höhenflüge motorischer Dynamik beleben geschäftigere Kompositionen, während Nuancen von Downtempo und City-Pop die Lichter über gedämpfteren Momenten dämpfen. Ein ansonsten elektronisches Arrangement könnte plötzlich ein kristallklares Gitarrenriff oder eine dröhnende elektrische Basslinie enthalten, die an JJs musikalische Erziehung erinnert, als sie als Teenager Gitarre und Bass spielte und bis zu ihrem Jahrzehnt in einem traditionelleren „Rockband“-Umfeld. Zwischen den Stücken von Quantum Web, die als eine Art Permutation des elektronischen Pop-Songwritings kodiert sind, dreht eine Reihe minutenlanger Zwischenspiele den Regler in Richtung üppiger Texturskulpturen und reinem Ambient-Drift – ein regelmäßig geplantes Programm, das von Werbepausen unterbrochen wird.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDas Quantennetz ist unser Netz persönlicher Verbindungen, das World Wide Web, das Netz der Lügen, die wir einander erzählen. Es ist eine Falle, ein bildliches Hologramm, das wir überall um uns herum sehen, an dem wir uns jedoch aus freiem Willen beteiligen. Wir wissen, dass ein Entkommen unmöglich wäre. Aber wir empfinden immer noch eine einfache Freude oder zumindest den Nervenkitzel, mit der prosaischen Unbeschreiblichkeit konfrontiert zu werden, wenn wir uns wieder einloggen, wenn wir ein Quizspiel auf einem kleinen Bildschirm spielen, der am Rücksitz eines Taxis befestigt ist, wenn wir durch das Einkaufszentrum gehen und durch die unendliche Decke oder den Himmel nach oben blicken.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Discovery Zones Quantum Web wird als LP, als japanische Import-CD und in digitaler Form veröffentlicht. Ein Teil des Erlöses aus dieser Veröffentlichung kommt Ärzte ohne Grenzen zugute, die in über siebzig Ländern unabhängige, unparteiische medizinische humanitäre Hilfe für Menschen leisten, die von Konflikten, Krankheitsausbrüchen, Natur- und von Menschen verursachten Katastrophen und dem Ausschluss von der Gesundheitsversorgung betroffen sind.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp id=\"isPasted\"\u003e \u003cstrong\u003eTitelliste\u003c\/strong\u003e :\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 1 – Übernatürliches\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 2 - Paar A Würfel\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 3 - Deine Augen\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 4 - Zu Ihrer Information\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e5 - Qubit Lite\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 6 - Prüfung\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 7 - Aus\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 8 - Betriebssystem\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 9 - Einkaufszentrum der Liebe\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 10 - Drachen\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 11 – Ganz schick angezogen, aber nirgendwohin zu gehen\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 12 - Ausgezogen\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 13 - Qubit QT\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 14 - Bleib locker\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e 15 - Xkristall \u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003cimg alt=\"\" src=\"https:\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/RVNGNL112_Mockups-06.png?v=1723671558\"\u003e\u003cimg alt=\"\" src=\"https:\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/RVNGNL112_Mockups-05.png?v=1723671559\"\u003e\u003cimg alt=\"\" src=\"https:\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/RVNGNL112_Mockups-07.png?v=1723671559\"\u003e\u003cimg alt=\"\" src=\"https:\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/RVNGNL112_Mockups-03.png?v=1723671561\"\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Discovery Zone","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48907689460040,"sku":"MAMI42LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/RVNGNL112_alt_1500px.jpg?v=1730559240"},{"product_id":"gents-souvenir-vinyl","title":"GENTS - 'Souvenir' Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cdiv class=\"product_description\" itemprop=\"description\"\u003e\n\n\u003cp\u003e Die Standardausgabe ist in einer Auflage von 250 Exemplaren erhältlich und ist ein saftiges magentafarbenes 180g-Klappvinyl mit dem typischen, japanisch inspirierten Yachtvej-Obi-Band. Es ist supersüß!\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003c\/div\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"GENTS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48907708334408,"sku":"MAMI34LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/GENTS_-_souvenir_-_album_cover.jpg?v=1730756159"},{"product_id":"magic-island-so-wrong-vinyl","title":"Magic Island – „So Wrong“ Vinyl","description":"\u003ciframe style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/3r8QsDHn1HCGP9dXh3eTWI?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Berlins ungekrönte Queen of Pop: Magic Island öffnet die Türen zu ihrer Welt. Virtuell – und physisch.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Berlin-Neukölln ist so viel mehr als ein Stadtteil oder ein Viertel. Es ist zum Symbol geworden – für vermeintliche soziale Themen, für das neue Kapitel in der Geschichte der einst geteilten Stadt, das sich der Welt öffnet und ihr zugleich verschließt, weltoffen und doch so berlinisch ist. Und mittendrin steht Emma Czerny, besser bekannt als Magic Island. Seit ihrem EP-Debüt regiert sie die Underground-Popszene der Stadt, mit Songs, die so intim und verletzlich wie künstlerisch vertrackt wirken und die sowohl eine Liebe zur Popmusik in sich tragen als auch experimentelle Lo-Fi und eine große Liebe zum R’n’B-Sound der Neunziger.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eMit ihrem zweiten Album SO WRONG verwirklicht Magic Island ihre künstlerische Vision radikaler denn je und öffnet die Tür zu ihrem Universum: Sie schafft eine vollständig immersive Welt, in die die Zuhörer eintauchen können – und verbindet das Virtuelle mit dem Physischen. QR-Codes, die an Wänden in ihrem geliebten Berliner Viertel angebracht sind, öffnen virtuelle Portale, um in die Realität einzutreten, die Magic Island, ihre Freunde und Mitarbeiter erschaffen. „SO WRONG ist das erste fragmentierte Album. Es ist in Neukölln verwurzelt, aber alle Teile stammen von Menschen aus der Nachbarschaft“, erklärt sie. SO WRONG geht über die Klanglandschaft der hypnotischen Kompositionen von Magic Island hinaus und erweitert sich zu einem 360-Grad-Erlebnis, das dieses einzigartige Lebensgefühl zwischen Sonnenallee und Karl-Marx-Straße, zwischen Erwachsenwerden und einer weiteren trippigen Nacht einfängt.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eGenau von diesen Widersprüchen lebt SO WRONG, die Songs schaffen die Balance zwischen Leichtigkeit und Hoffnungslosigkeit, handeln von Liebe und Depression, Angst und Selbstermächtigung. Magic Island denkt darüber nach, wie sich Bedeutungen im Laufe der Zeit verändern, und über die nie endende Suche nach dem Sinn unseres eigenen Lebens. Gleichzeitig zeichnet sie dieses intime Porträt einer Straßenecke in der Weichselstraße, zwischen einer schicken Bar, einem Musikstudio und einer Bodega mit einer merkwürdig großen Auswahl an Müsli, und singt über Beziehungen zu Freunden und Drogendealern an der Ecke, und das alles während der ersten Lockdown-Welle in Europa, als es auf den Straßen des geschäftigen Neuköllns, wo normalerweise unterschiedliche Lebensstile nebeneinander existieren, ohne jemals zu kollidieren, plötzlich sehr ruhig wurde.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eFür SO WRONG entschied sich Czerny – die ihre Lo-Fi-Songs normalerweise am liebsten im eigenen Schlafzimmer aufnimmt –, mit einem Produzenten zusammenzuarbeiten: „Ich begann, mich immer mehr mit der deutschen Rap-Szene zu beschäftigen, und dachte, ich brauche vielleicht jemanden, der wirklich gut darin ist, abgefahrene Beats zu produzieren.“ Dieser Jemand war Phong Ho, bekannt in deutschen Underground-Rap-Kreisen. Und zufälligerweise befand sich sein Studio ganz in der Nähe von Czernys Zuhause. Als die Pandemie im Frühjahr 2020 Berlin erreichte, begannen sie, während nächtlicher Sessions im Studio an Song-Skizzen zu arbeiten. Aus diesen Skizzen entwickelte sich langsam SO WRONG, Skizzen, die eindeutig die Form einer Art Popmusik annehmen, aber im Soul und R’n’B der Goldenen Ära, im Westcoast-Hip-Hop und ultrazeitgenössischem Hyper-Pop verwurzelt sind. Czerny: „Phong und ich hatten einen ähnlichen musikalischen Bezugspunkt, viel Old-School-Hip-Hop, und wir begannen einfach, jede Nacht zu arbeiten.“\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDas Ergebnis ist ein Album mit einer großen Bandbreite an Sounds und Referenzen – zusammengehalten von Magic Islands unnachahmlicher Stimme und Erzählkunst: „Meine Stimme ist stärker denn je und ich schäme mich dafür überhaupt nicht. Der Gesang ist das Herzstück der Kraft der Stücke“, sagt Czerny. „Aber es gibt auch dieses ätherische Element tiefer und melodisch reicher Klanglandschaften in jedem Song. Wir haben Old-School-Beats geschaffen, aber auf Magic-Island-Art, mit einer magisch ätherischen Klanglandschaft.“\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eBesonders ausgeprägt ist dies im Titeltrack So Wrong. Czernys Stimme hallt durch einen nebligen Raum, Verlangen, Verzweiflung und Lethargie verschmelzen unwiderstehlich zu einem „klassischen Liebeslied“, wie Magic Island es selbst beschreibt. Es ist eine Meditation über die Unmöglichkeit, einen geliebten Menschen gehen zu lassen: „Hier geht es um Verlust und die Dunkelheit, die folgt, keine Möglichkeit, das Licht zu sehen. Es verkörpert perfekt eine Seite der beiden Haltungen des Albums, die von Liebe und Verlust gegenüber der von Ermächtigung und Selbstgenügsamkeit.“ Es ist kein Zufall, dass dies das erste Stück war, an dem Phong Ho und Czerny zusammen arbeiteten, und es setzte eindeutig die Bühne für alles, was folgen sollte.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eÄhnlich ätherisch beginnt auch Bury Me Alive, nur um dann als Gegenpol zu Czernys souliger Stimme ultramoderne Trap-Elemente einzuführen und den Song in eine andere, fast apokalyptische Richtung zu ziehen. Was ganz gut zum Text von Magic Island passt: „Ich habe das hier über meine Angst vor dem aktuellen globalen Klima geschrieben, über Armut, Polizeibrutalität und wie politische Unruhen den Punkt einer Revolution erreichen.“\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDoch nicht alles ist düster und trostlos auf der Zauberinsel: So Right weckt wie So Wrong Erinnerungen an sinnlichen und selbstbewussten R’n’B der Neunziger. Hook und Refrain rollen langsam wie dicker Honigsirup aus den Boxen. Doch statt einem Liebhaber Honig um die Ohren zu hauen, gerät So Right zu einer Ode an die weibliche Selbstermächtigung: „Dieser Track zeigt die andere Seite der ersten Single ‚So Wrong‘ – statt zu jammern, über einen Moment zu leiden, die Dinge genau so zu akzeptieren, wie sie im Augenblick sind und mit sich selbst zufrieden zu sein“, sagt Czerny über den Track, der beinahe nahtlos in die selbstbewusste Hymne GiveNTake übergeht.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eMit SO WRONG hat Magic Island ein Gesamtkunstwerk geschaffen, ein allumfassendes und alles umspannendes, das Genregrenzen ebenso aufbricht wie Grenzen zwischen verschiedenen künstlerischen Disziplinen. Ist es Musik? Ist es Medienkunst? Community-Kunst? Oder alles gleichzeitig? Vor allem ist es eine Liebeserklärung. An Neukölln, an weibliches Selbstbewusstsein und an den bedingungslosen Glauben an die eigene Vision. „Treten Sie ein in unsere Welt“, fordert uns Magic Island im Intro zu SO WRONG auf. Eine Einladung, die keiner von uns ausschlagen sollte.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Magic Island","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48907731632456,"sku":"MAMI28LP","price":15.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/So_Wrong_Artwork.jpg?v=1730756462"},{"product_id":"dena-if-its-written-vinyl","title":"DENA – „If It’s Written“-Vinyl","description":"\u003ciframe style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/2BjaA6476NAaIzb7LNL29a?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e «Wenn es in den Sternen steht», sagt ein bulgarisches Sprichwort. In einer Zeit, die von Unsicherheit und zerfallenden Sicherheiten geprägt ist, scheint das Vertrauen in die Sterne nicht allzu weit hergeholt. «Letztes Jahr endete jedes Gespräch, das ich führte, mit diesem Satz», erklärt Dena, «bevor ich das Album hatte, hatte ich schon den Titel. Es geht darum, an universelle Zusammenhänge zu glauben und darauf zu vertrauen, darauf, dass sich irgendwann alles fügen wird.»\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eUnd tatsächlich hat alles seinen Platz gefunden: Vier Jahre nach ihrem Debüt Flash markiert If It's Written ein neues Kapitel in Denas musikalischer und persönlicher Entwicklung. Als Produkt großer Veränderungen in ihrem Leben und ihrer Arbeit ist If It's Written das Werk einer erwachsenen Frau, die die Dinge selbst in die Hand genommen hat. Die Platte ist eine Feier der Individualität und Unabhängigkeit, denn zum ersten Mal hat Dena die Produktion der meisten Stücke selbst übernommen. «Für mich ist das ein großer Fortschritt», sagt sie, «vom Schreiben des ersten Songs für dieses Album bis zu diesem Punkt war es eine solche Reise.» Es dauerte zwei verschiedene Versionen und vier Mixe, aber jetzt hat sich dieser Kreis geschlossen und If It's Written ist bereit, der Welt präsentiert zu werden.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eIndem sie Freunde einlud, nach ihren ganz eigenen Vorstellungen zusammenzuarbeiten, schuf Dena ihr eigenes Universum: Zu den Features gehören das entspannte „So Wrong“, ein Duett mit dem kanadischen Indie-Sänger schlechthin Sean Nicholas Savage, oder das heitere „Things That Mean A Lot“, aufgenommen mit den philippinischen Cool Cats Eyedress \u0026amp; Rhxanders, das die Leere kurz vor dem Auseinanderbrechen einer Beziehung wunderschön beschreibt. Weitere Gäste sind die in Berlin lebende argentinische Sängerin Pictorial Candi für das Outro „If It's Written“ oder ihr langjähriger Kollaborateur und Freund Erlend Øye für das minimalistische und knochentrockene „Speculations“.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Die Musikszene des berüchtigten Berliner Bezirks Neukölln hat Dena stark geprägt: «Es war so inspirierend, von diesem ganzen DIY-Spirit umgeben zu sein.» Das hat auch auf If It's Written Spuren hinterlassen, das sie ihr «Laptop-Album» nennt, da sie beim Produzieren der Songs oft direkt ins Computermikrofon gesungen hat. Keine großen Vorbereitungen nötig, nur sie, ihre Ideen und das Vertrauen in ihren eigenen Plan.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003ePassenderweise waren Telekommunikation, Computer, Smartphones und all diese Gadgets nicht nur Werkzeuge, um die Songs auf If It’s Written zu produzieren, sondern auch ein Hauptthema in Denas Kompositionen. «Wir sind alle in eine große Textnachricht verwoben», sinniert sie, «das Album handelt von uns und Kommunikation.» Oder von deren Abwesenheit, wie das geschickt reduzierte HMU oder das funkige Fuck It beschreiben. Was passiert mit Gefühlen, wenn all unsere Interaktionen digitalisiert sind? Dena weiß es auch nicht: «Ich meine, hat irgendjemand jemals einen Song geschrieben, in dem es nicht um Gefühle geht?» Vielleicht nicht, aber nur wenige bringen Emotionen im digitalen Zeitalter so schön auf den Punkt wie Dena.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"DENA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48911596028232,"sku":"MAMI16LP","price":15.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/Album_Cover_digital.jpg?v=1730756097"},{"product_id":"magic-island-wasted-dawn-vinyl","title":"Magic Island – „Wasted Dawn“ Vinyl","description":"\u003ciframe style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/4qPD6TzGMItxdLji0chv5J?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDer Sound von Wasted Dawn wurde von Berlin geprägt. Man könnte sogar sagen, dass die Stadt selbst einen wichtigen Beitrag geleistet hat: Das Casio-Keyboard, das man überall hört, wurde auf der Straße gefunden. Magic Island entwickelte sich unter dem Einfluss eines engen Kreises von in Berlin ansässigen Künstlern, darunter Freunde wie Touchy Mob und Sean Nicholas Savage (Arbutus) aus Montreal. Aber im Einklang mit dem Projekt Mansions and Millions, die blühenden musikalischen Verbindungen zwischen Berlin und Ostkanada hervorzuheben, stammt Emma von Magic Island ursprünglich aus Toronto, Ontario.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eWasted Dawn entstand aus den Singles „Dream Holiday“ und „Baby Blu“, wobei letzteres auf seine eigene ruhige Art ein perfekter Song sein könnte. Es verkörpert die Ästhetik von Magic Island: diffus und gedämpft, hat es eine kristallklare Sinnlichkeit, leuchtend, aber schwer zu kategorisieren, und wirkt potenziell zerbrechlich oder ungeheuer stark. Sanft vorangetrieben von den übereinander gestapelten Ohrwürmern eines widerhallenden Refrains des oben erwähnten Straßen-Casio und einer wirbelnden kleinen Klavierfigur ist es ein Liebeslied, dessen Direktheit zugleich unschuldig kokett und reif offen ist; doch sein komplizierter Schluss signalisiert eine melancholische Umarmung von Widersprüchen und bittersüßer Unmöglichkeit, die Wasted Dawn eine Tiefe verleiht, die weit über die der meisten Bedroom-Pop-Debüts hinausgeht.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Magic Island","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48911613854024,"sku":"MAMI01LP","price":10.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/ARTWORK_945e44cf-7e6f-4678-8143-5cc87079a18a.jpg?v=1770314301"},{"product_id":"normal-echo-accidental-forever-vinyl","title":"Normal Echo – „Accidental Forever“ Vinyl","description":"\u003ciframe style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/3ExqNcQamtjx9DPhI4UEB6?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eAccidental Forever. Der Titel selbst fängt die Entfremdung ein, die die Musik hier durchdringt. Es könnte der Titel einer gruseligen Science-Fiction-Fernsehsendung aus den 1980ern sein, die Krzysztof Kieślowski für die BBC inszenierte, und zu der dieses Album problemlos als Soundtrack dienen könnte. Der Sound des Albums ist eine einzigartige Interpretation von Coldwave, New Romantic und Popmusik der 90er, aufgebaut aus rohen, seltsamen Texturen und geradlinigen Texten, die in einem Englisch mit kunstvollem Akzent gesungen werden und Schatten der Verzweiflung werfen. Wenn man es hört, fühlt es sich in vielen Momenten an, als wäre man in einer neuen Stadt, verloren und unfähig, jemanden nach dem Weg zu fragen; in anderen Momenten, als wäre man in einer Software-Demo gefangen, die unter Windows 95 läuft, das seit zwei Jahrzehnten läuft und verlassen und verfallend wird. Durchdrungen von Isolation spricht es öffentliche Räume an, die gleichzeitig reibungslos und bedrückend sind, Stadtzentren, die gleichzeitig hermetisch modern und verfallend sind, und die Klaustrophobie der täglichen Routine. Es ist Musik für das Leben als Labyrinth. Doch obwohl es ziemlich düster sein kann, ist es nicht pessimistisch: Das Herzstück des Albums ist das heitere, einfach wunderschöne Instrumentalstück „Entertain“.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDawid Szczesny von Normal Echo stammt ursprünglich aus Polen und hat experimentelle Musik auf Labels in der ganzen Welt veröffentlicht. Seit 2010 lebt er in Berlin, was ihn zu einer natürlichen Ergänzung der wachsenden Liste von Expats, Zugezogenen und anderen, die durch die weitreichende kosmopolitische Anziehungskraft der Stadt miteinander verbunden sind, des Labels Mansions \u0026amp; Millions macht. Accidental Forever hat er fast ausschließlich mit einem Korg M1-Synthesizer aufgenommen, einem der beliebtesten Synthesizer der 80er\/90er Jahre, der heute etwas in Vergessenheit geraten ist.\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Normal Echo","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48911686893896,"sku":"MAMI05LP","price":10.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/cover.jpg?v=1730756576"},{"product_id":"jack-chosef-yeehai-vinyl","title":"Jack Chosef – „Yeehai“ Vinyl","description":"\u003ciframe style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/75DPDybaZH3nox9ICh2fNr?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Chillwave ist nie gestorben. Es hat nur ein paar neue Freunde gefunden.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003e„Track Your Mind“, der erste Track auf der Yeehai EP, von dem lakonischen Jack Chosef, der bei Sean Nicholas Savages Live-Shows Schlagzeug gespielt hat, beginnt mit einem manipulierten Vocal-Sample, das das Intro eines experimentellen Club-Tracks à la Night Slugs oder einer gewaltigen Hip-Hop-Konstruktion im Kanyee-Stil sein könnte. Stattdessen kommen die Half-Tempo-Bass-Kicks und bedeutungsvollen Synthesizer zum Einsatz, die von akribischen 80er-Revivalisten bevorzugt werden, von der Sorte, die von einem neonfarbenen Videospiel-Miami träumt (Chosef sagt, Yeehai sei „von Mädchen und Autos inspiriert“) oder Liebhaber italienischer Giallo-Soundtracks und John Carpenters selbst geschriebener Partituren sind. Aber „Track Your Mind“ könnte auch der Sound von beispielsweise Pye Corner Audios alternativen Geschichts-Technologie-Fantasien sein.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDas Lied ist all das. Und dennoch: Es ist eindeutig Chillwave; es hat denselben Hauch von Nostalgie und Naivität, einen unbeschwerten Geist, verträumt und gutherzig. Während viele Produzenten versucht wären, die eisige Kühle der Trommeln zu betonen, indem sie sich auf dunkle, angesagte Texturen konzentrieren, trifft Chosef seine Entscheidungen auf eine andere Art: die eindringlichen, melancholischen „Ooohoos“ von, Sie haben es erraten, „Oohoo“, die makellosen Glockenspiele von „Golden Princess“, die widerhallenden Tasten von „Cubing“ und die zart funkelnden Synthesizer des Titeltracks.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDas soll nicht heißen, dass diese arglosen Klangentscheidungen bedeuten, dass Yeehai nicht originell oder sinnlich ist. Die schweren Synthesizerklänge in der zweiten Hälfte von „Golden Princess“ sind verträumt, aber auch tief, einladend, einhüllend; der wogende Wechsel in der Mitte von „Baby“ durchzuckt den Körper des Zuhörers beinahe. Chosef sagt, die EP sei (mit Hilfe von Touchy Mob) im Sommer „in meinem Bett unter schwarzen Wolken und einem Sprite-Wodka in der Hand“ aufgenommen worden. Das beschreibt sowohl den Prozess als auch das Ergebnis: nachdenklich, leicht angeheitert, erinnert sowohl an Sonnenschauer als auch an den Sommer.“\u003c\/p\u003e\n\n\u003c!----\u003e","brand":"Jack Chosef","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48911689449800,"sku":"MAMI02LP","price":10.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/Cover_censored.jpg?v=1730756241"},{"product_id":"john-moods-so-sweet-so-nice-vinyl","title":"John Moods – „So Sweet So Nice“ Vinyl ","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe style=\"border-radius: 12px;\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/15mLrCaxxDCyMrMfdr8sRy?utm_source=generator\u0026amp;theme=0\" width=\"100%\" height=\"152\" loading=\"lazy\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Nach vielen Jahren in der Band Fenster (bisher vier LPs und der Produktion des Films Emocean) nahm Jonathan Jarzyna den Namen John Moods an und veröffentlichte 2018 sein Debütalbum The Essential John Moods bei Mansions and Millions. Nach seinen ersten Solotourneen kehrt er nun mit So Sweet So Nice zurück, das als zwei EPs erscheint: So Sweet am 16. April und So Nice am 6. August. Dieses Diptychon gipfelt schließlich in einer Vinyl-LP, die am 6. August auch physisch erscheint.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e War „The Essential John Moods“ der Soundtrack zu einem sommerlichen Rucksacktrip, so vermittelt der Nachfolger das Gefühl einer triumphalen Heimkehr. Wo das Vorgängeralbum mit verträumter Verdrängung aufwartete, ist „So Sweet So Nice“ heiter und zentriert, und federnde Grooves verwandeln Grübeleien über die Sterblichkeit in pulsierende Feierlichkeiten.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eEine so selbstbewusste, fein ausgearbeitete Sammlung von Liedern, reich an ruhigen Momenten, scheint das unwahrscheinliche Produkt zweier Jahre voller kreativer Frustrationen zu sein. Doch es ist ein Gewebe aus Paradoxen und Widersprüchen. Es spricht mit unbeschwerter Stimme von existenzieller Sorge und beschwört Jubel aus dem Trauerfest. Die Form dieser Heimkehr ist die Entdeckung eines Zuhauses im Unruhigen, ein Gefühl von Heimat im Unruhigen. Ein Kontrast, der in der Titelzeile so prägnant zum Ausdruck kommt: „So süß, so schön; alles wartet darauf zu sterben. So süß, so hoch; nichts fühlte sich je so lebendig an.“\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eJohn begann allein auf dem polnischen Land, diese Songs zu konzipieren, geriet aber bald in eine Sackgasse. „So Sweet“ und „So Nice“ fanden nur mit der Hilfe von Freunden ihren Weg in die Welt – darunter Fenster-Bandkollege JJ Weihl (alias Discovery Zone), der erneut die Texte mitschrieb, TOPS-Gitarrist David Carriere sowie die Produzenten und Instrumentalisten Magnus Bang und Joni Reiter, um nur einige zu nennen. Dieser gemeinsame Funke verleiht der Platte viel von ihrer Überschwänglichkeit, doch bleibt immer eine unausweichliche Atmosphäre der Einsamkeit, als würde sie uns von Emersons durchsichtigem Augapfel vorgesungen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDie Aufteilung des Projekts in zwei Teile spiegelt die Ideen wider, die Jarzyna beim Schreiben dieser Lieder beschäftigten: die Fülle und Intensivierung von Binärsystemen in unserer Welt, die notwendige Wechselbeziehung von Gegensätzen, das Fortbestehen ursprünglicher Dualitäten – Licht und Dunkelheit, Gut und Böse, Hoffnung und Verlust, Leben und Tod. Diese als Dyaden zu begreifen und sich in den dunklen Zwischenräumen wohlzufühlen. Jede Hälfte kontrastiert die andere und betont divergierende Aspekte eines Ganzen.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eSo Sweet kanalisiert den Geist des klassischen AM-Pop und sogar des Country \u0026amp; Western (in seinen psychedelischeren Ausprägungen) in etwas Zeitgenössisches und Zeitloses, voller munterer Gitarrenarbeit, plätschernder Synthesizer und, auf „Ordinary Magic“, einem kurzen, aber szenenraubenden Saxophonsolo: eine Vertiefung der unverwechselbaren Klangwelt, die auf „The Essential John Moods“ entwickelt wurde. Am jubelnden Ende des Spektrums finden sich der näselnde Ruf nach Unmittelbarkeit der ersten Single „Talk To Me“, das fröhliche Loblied auf Einsamkeit und Verwirrung „Without You“ und der unbändige Titeltrack. Am anderen Ende stehen die ruhige Meditation über die Vergänglichkeit von „New Skin“ und der stattliche Acid-Walzer von „All You Gotta Do Is Wait“.\u003c\/p\u003e\n\n \u003cp\u003eDer „seelenwandernde Blues“ von „Frank“ gibt So Nice ein langsameres Tempo vor, während es sich sanft durch die Ungewissheit bahnt. „Meet Me In My Dreams“ folgt mit einem traumhaften Augenzwinkern an den Sensenmann, während „Sensitive One“ mit einer bittersüßen Ode an die Verletzlichkeit, die Schmerzen und Freuden unserer oft asymmetrischen Bindungen an die Welt endet.\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e Der vielleicht emblematischste Song hier ist „In A New Way“, der schleichende Grooves mit frühlingshafter Melancholie verbindet. Darin fragt John: „Hast du die Antwort gefunden? Oder nur die Worte? Oder sagst du einfach wieder nichts, auf eine neue Art?“ Neue Wege zu finden, das Unaussprechliche auszudrücken, eine dauerhafte Aufzeichnung des ewig schwankenden Jetzt zu schaffen – ist das nicht die große Herausforderung und zugleich die große Belohnung der Musik selbst? Es spricht für die Größe ihrer Leistung, dass das Album diese Aufgabe so treffend beschreibt – und dann immer wieder diese Wege findet.\u003c\/p\u003e","brand":"John Moods","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48911702294856,"sku":"MAMI29LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/JM_ALBUM_COVER_WEB.jpg?v=1730756289"},{"product_id":"magic-island-vinyl","title":"Magic Island Vinyl-Bundle","description":"\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e Sonderangebot für die Magic Island-Debüt-EP „Wasted Dawn“ und das zweite Album „So Wrong“ auf Vinyl.\u003c\/p\u003e","brand":"Magic Island","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":49352576237896,"sku":null,"price":22.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/magic-island-vinyl-bundle.jpg?v=1791896049"},{"product_id":"sean-nicholas-savage-the-knowing-vinyl","title":"Sean Nicholas Savage – „The Knowing“ Vinyl","description":"\u003cp\u003e \u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003eTürkisfarbene EU-Vinyl-Edition.\u003c\/span\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003cstrong\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003eTitelliste:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003e1 Seltsamer als Fiktion\u003cbr\u003e 2 Rosa Blumenstrauß\u003cbr\u003e 3 Teil 2 (Feat. Better Person)\u003cbr\u003e 4 Das Wissen\u003cbr\u003e 5 Lebenslust\u003cbr\u003e 6 Ein Zeichen\u003cbr\u003e 7 Wahnsinnig für dich\u003cbr\u003e 8 Ich liebe alles an dir\u003cbr\u003e 9 Alles, was du bist\u003cbr\u003e 10 Deine Droge (Feat. Marci)\u003cbr\u003e 11 wilde Kerle\u003cbr\u003e 12 Ob Sie es glauben oder nicht\u003c\/span\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\n\u003cp\u003e \u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003eDer Dramatiker, Regisseur und Singer-Songwriter Sean Nicholas Savage kehrt mit seiner bisher brillantesten Sammlung klassischer Balladen zur Pop-Palette zurück. Sein neues Album „The Knowing“ markiert einen Wendepunkt – subversiver und zugleich moderner als je zuvor.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003e„Manchmal müssen wir zum Anfang zurückkehren\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003eum auf den fruchtbaren Böden unserer Vergangenheit eine Zukunft zu ernten‘\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e \u003cbr\u003eIm Frühjahr 2024 nahm Savage die erste Version von „The Knowing“ in Edmonton, Kanada, auf. Im selben Keller, in dem er aufwuchs und bis spät in die Nacht Schallplatten hörte, die Lautsprecher ausgeschaltet und das Ohr an der Nadel, damit niemand aufwachte. Der Song Part 2 (featuring Better Person) wurde über die West Edmonton Mall geschrieben, in deren Nähe Sean aufwuchs, die bis 2004 das größte Einkaufszentrum der Welt war.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e „Ich bin nur ein Puzzleteil, das ein Bild ergibt, das ich nie sehen kann“ – Teil 2\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e Im August desselben Jahres wurde die zweite und letzte Version des Albums produziert. Diesmal mit seinem langjährigen Kollaborateur Pascal Chenard und seinem Bandkollegen Samuel Beaulieu in London, England, wo Savage geboren wurde. Chenard produzierte die Musik für die Live-Version von Savages Musical „Please Thrill Me“ und dem Musicalfilm „The Plumber“. Der Opener des Albums, „Stranger Than Fiction“, wurde in der U-Bahn geschrieben und in der ersten Nacht der Londoner Session aufgenommen, die zugleich Sean Nicholas Savages Geburtstag war.\u003cbr\u003e \u003cbr\u003e\u003cem\u003e„Wir fuhren nach Hammersmith, wo meine Familie gelebt hatte, und sahen uns am Morgen meines Geburtstags das alte Haus dort an. In dieser Nacht begannen ein paar hektische Wochen des Schreibens und Aufnehmens.“\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e Sean Nicholas Savage engagierte für dieses Album mehrere weitere Mitwirkende. Die erste Single „Your Drug“, ein nachdenkliches Duett mit Marci, Labelkollegin von Arbutus Records, klingt vertraut, besitzt aber dennoch eine kantige Kargheit, die es ermöglicht, das nostalgische Motiv neu zu kontextualisieren. Der belgische Singer-Songwriter David Numwami spielt Gitarre bei den Songs „Stranger Than Fiction“ und „Wild Things“, und der Künstler JJ Weihl alias Discovery Zone war Co-Autor von „Pink Bouquet“.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003e„Ich liebe dich immer noch“ ist ein Geheimnis, das ich für immer in einem Loch in der Welt begraben habe, wo einst ein Mensch war – Wild Things\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e \u003cbr\u003eSavage präsentiert sich auf dieser Platte in lyrischer Höchstform. Der Text des Titeltracks „The Knowing“ war zunächst eine Übung darin, möglichst viel zu sagen, wobei jeder Satz das Wort „know“ enthielt. Savage selbst wusste zunächst nicht, was er mitteilen wollte, bis sich im Laufe des Prozesses ein Gedicht offenbarte.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003e„Worum geht es in ‚The Knowing‘?“\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003eIch sage darin fast nur, dass ich es nicht weiß, obwohl ich sicher bin, dass jeder, der sich das Lied genau anhört, weiß, worum es geht.‘\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e Geschickt in die Trackliste integriert ist ein zartes Cover von Iggy Pops „Lust For Life“, passend sanft gezupft im Stil von Green Days‘ „Good Riddance“. Sean Nicholas Savage arbeitete mit Lulannie zusammen, um die Fotos des Albumcovers zu erstellen, die sie auf dem Weg zu einer Silvesterparty 2025 in New York City machten. Der Song „I Love Everything About You“ handelt von ihrer Beziehung.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003e„Deine unvorteilhaften Fotos sind die, die ich am meisten schätze“ – Ich liebe alles an dir\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e \u003cbr\u003eIn den letzten Jahren seines Schaffens hat Sean Nicholas Savage drei Musicals herausgebracht, jedes mit Originalmusik: „Please Thrill Me“, „The Fear“ und „The Plumber“, wobei letzteres verfilmt wurde.\u003cbr\u003e Savages letzte beiden Platten, „Shine“ und „Life Is Crazy“, sind jeweils zunehmend krasser und introspektiver und dennoch Meisterwerke für sich.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e Dies ist das erste Mal, dass Sean Nicholas Savage ein Album bei einem anderen Label als dem Montrealer Label Arbutus Records (Marci, Das Beat) veröffentlicht. Eine weitere Premiere ist die Veröffentlichung des Albums bei dem Philadelphiaer Plattenlabel Born Losers Records (Johnny Dynamite, Catherine Moan) und dem Berliner Label Mansions \u0026amp; Millions (Discovery Zone, Better Person).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003e„So weich, es ist hart. So schlecht, es ist gut. So unecht, es ist echt.“\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e \u003cem\u003eaber manchmal ist die Wahrheit seltsamer als Fiktion.‘\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e „The Knowing“ von Sean Nicholas Savage erscheint am 27. Juni 2025 bei Born Losers Records und Mansions \u0026amp; Millions.\u003c\/p\u003e","brand":"Sean Nicholas Savage","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50147377316168,"sku":"MAMI48LP","price":25.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/SNS-TheKnowing-Digital.jpg?v=1743627281"},{"product_id":"discovery-zone-remote-control-5-year-anniversary-vinyl","title":"Discovery Zone – Remote Control violett-marmorierte Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eEndlich wieder im Druck! 2. Neuauflage pünktlich zum 5-jährigen Jubiläum. viollette-marmorierte Vinyl. Holografischer Aufkleber. Limitiert auf 500 Exemplare\u003c\/strong\u003e\u003cspan class=\"im\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003e„Wir reden hier über das Jetzt. Wie lange dauert das Jetzt?“\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003e„Remote Control“ ist das Debütalbum des in New York geborenen und lebenden Sound- und Visual-Künstlers JJ Weihl, auch bekannt als „Discovery Zone“, das ursprünglich am 5. Juni 2020 veröffentlicht und jetzt, rund um sein fünfjähriges Jubiläum, neu aufgelegt wird.\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003e\u003cbr\u003eWenn Musik versucht, den neuesten Stand der Technik zu beschwören, greift sie meist auf neu synthetisierte Töne zurück, die unglaublich glänzend, surreal und fremdartig wirken. Doch die Zukunft, in der wir angekommen sind, besteht aus massenproduzierten Sensoren und Mikroprozessoren, den sich endlos verbreitenden Kunststoffen, die uns in einem übermenschlichen Netz aus Kommunikation und Überwachung miteinander verbinden.\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eAllgegenwärtige Kopien prägen unsere Welt ebenso wie Wunderwerke der Innovation; die Keyboard-Voreinstellungen und die Drum-Machine-Standardeinstellungen können ebenso für sich in Anspruch nehmen, den Sound des kybernetischen Pop zu prägen wie das algorithmische virtuelle Instrument\u003c\/span\u003e \u003cspan style=\"font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003e. Auf\u003c\/span\u003e „Remote Control“ formt Weihl diese bescheidenen Klangelemente liebevoll um, mit Unterstützung des Produzenten E\/T und Lucas Chantre, alias WORLD BRAIN, der neben Weihl Gründungsmitglied der beliebten Experimental-Pop-Band Fenster ist.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"im\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003eMit einer Palette aus Glockenspielen, Zwitschern und Schimmern ist „Remote Control“ eine glühende Meditation über unseren widersprüchlichen Moment in der Geschichte. Nostalgie vermischt sich mit synthetischeren Klangwelten, wobei jeder Song in vergangene und zukünftige Klanglandschaften eintaucht. Weihl setzt Drum Machines, Vocoder, Soundcollage, Theremin und E-Gitarre ein und schafft so ein kleines Labor sowohl im Studio als auch auf der Bühne.\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003eIn Weihls Händen bilden die Beschränkungen der Standardeinstellung ein Gebiet grenzenloser Experimente, vom Systembenachrichtigungs-Synth-Funk von „Dance II“ bis zu den Trance-Beschwörungen von „Blissful Morning Dream Interpretation Melody“. Die experimentellen Aspekte von Weihls Musik spiegeln sich im Spektrum der spielerischen Ästhetik wider und behalten einen starken Fokus auf emotionale und zugängliche Popmelodien.\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003eIn der Mitte von Remote Control untermalt Weihl einen Dialog zwischen einem Siri-ähnlichen Roboter namens Sophia und einem ihrer Schöpfer. Wir teilen mit Sophia eine gewisse existenzielle Unsicherheit, während wir uns durch die Zeit bewegen. Wie Sophia werden wir mit der Frage konfrontiert, ob unsere medialen Begegnungen mit der Welt uns so zurücklassen, wie wir vorher waren, uns neu erschaffen oder uns irgendwo dazwischen zurücklassen – immer noch „Sophia“, aber „Sophia Again“. Entstehen unsere Ausdrücke des Staunens wirklich aus uns selbst oder sind sie programmierte Reaktionen?\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"im\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003eLive-Visuals und Musikvideos spielen eine wichtige Rolle in Discovery Zone. Mit einer wilden Zusammenstellung von Greenscreen, Found Footage und Originalmaterial ist der visuelle Bogen von Remote Control ein digitaler Bricolage-Stil – er webt Geschichten aus YouTube-Videos, persönlichen Strandurlaubsaufnahmen, Fernsehwerbung, frühen Computeranimationen und 3D-Renderings. Unter Verwendung von Sci-Fi- und Lo-Fi-Ästhetik im Deep Web werden die klanglichen und lyrischen Themen Nostalgie, Paradox, Liebe, Physik und Philosophie durch visuelle Reisen durch Second Life und den Zerrspiegel des Internets weiter erforscht und vertieft.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan class=\"im\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003eDas Cover von Remote Control ziert ein holografischer Schlüssel. Ein passendes Bild für ein Album, das mit der Idee und Definition von Realität spielt. Ein Hologramm ist weniger und mehr zugleich, als es scheint. Eine bloße Oberfläche, die den Raum enthält, den es repräsentiert – Illusion und reale Reproduktion zugleich.\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e \u003cbr\u003e\u003cspan class=\"im\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan style=\"color: rgb(0, 0, 0);\"\u003e„Remote Control“ von Discovery Zone wird von RVNG Intl. und Mansions and Millions als Purple Marble-Vinyl-Edition mit einem Hologramm-Schlüsselaufkleber neu aufgelegt.\u003c\/span\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv\u003e\u003cspan\u003e\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/div\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTitelliste:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan\u003e1 Nu Moon\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e \u003cspan\u003e2. Tanz II\u003cbr\u003e3. Wahr werden\u003cbr\u003e4. Auseinanderfallen\u003cbr\u003e5. Sophia wieder\u003cbr\u003e6. Melodie der Traumdeutung „Glücklicher Morgen“\u003cbr\u003e7. Fernbedienung\u003cbr\u003e8. Zeitzone\u003cbr\u003e9. Komm langsam\u003cbr\u003e10. Wahre Natur\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Discovery Zone","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":50598000165192,"sku":"MAMI24LP","price":27.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/RVNGNL129_Mockups-01.png?v=1749121185"},{"product_id":"nalan-2009-black-vinyl","title":"Nalan - 2009 Black Vinyl","description":"\u003ciframe data-testid=\"embed-iframe\" style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/1ExTfbgXwifXMNfXEUe0ss?utm_source=generator\u0026amp;si=bff6746c2152465e\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003eFour years after her solo debut I'm Good. The Crying Tape, the Berlin-based musician releases her new album 2009. The nine-song work was primarily created in Istanbul and Berlin and will be released on April 24, 2026 via Mansions and Millions.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor the album, Nalan creates a fictitious 2009, fed by her own digicam archive from back then, from which the entire artwork also comes, and the memories that arise while writing. Sometimes it is transfiguring and nostalgic, as in her track Everything was Easy in 2009, then again dark and lamenting, as in Down The Drain or Ok. 2009 is both the monster that can be seen on the cover and the girl in the background, of whom it is not clear whether she is laughing or crying.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe song 59:1 (fiftynine to one), for example, is about the live club of the same name in Munich, which had to close its doors in 2013 and where Nalan spent her youth going to concerts. Seems almost logical that, in addition to the members of her current live band, she also worked with musicians from the Munich indie and punk scene of that decade. Hisahi Yamamoto (Like Loonies, Nalan's first band), Attila Sarıtaş (Kafkas Orient Bazaar) and Martin Brugger (This Is The Arrival, now squama recordings) each contributed parts.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn terms of sound, however, Nalan moves in the opposite direction and continues to spin the futuristic alt-pop style of her debut. The album is simultaneously live-heavy and electronic- experimental. Pithy synth sounds and plucked guitars create an absorbing contrast and thus create space for Nalan's vocals to develop freely. Sometimes they can be heard clearly, sometimes speaking or impulsively in the background. The drums on the album are deliberately reduced, but have it all, and even the undead nu metal makes an appearance at one point. The sometimes autobiographical, sometimes fictional lyrics deal with desire as in Apple, the class struggles of growing up as in Down The Drain, crushes as in Everything was Easy in 2009 and the feeling of not really having anything to say as in I've Got Nothing to Say. The production by walter p99 arkestra, who also produced Nalan's debut, focuses on texture and atmosphere throughout. Nalan can be seen on tour in April and May 2026.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003eTracklist:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e01. Apple\u003cbr\u003e02. 59:1 (fiftynine to one)\u003cbr\u003e03. I Like You\u003cbr\u003e04. Ok\u003cbr\u003e05. Down the Drain\u003cbr\u003e06. Heavy Metal\u003cbr\u003e07. I've got Nothing to Say\u003cbr\u003e08. Stars\u003cbr\u003e09. Everything was Easy in 2009\u003c\/p\u003e","brand":"Nalan","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52329283158344,"sku":"MAMI54LP","price":23.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/Nalan_Mockups_V2_Vinyl_5.jpg?v=1769706269"},{"product_id":"nalan-2009-limited-red-vinyl","title":"Nalan - 2009 Limited Red Vinyl","description":"\u003ciframe data-testid=\"embed-iframe\" style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/1ExTfbgXwifXMNfXEUe0ss?utm_source=generator\u0026amp;si=bff6746c2152465e\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLimited to 100 copies.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003eFour years after her solo debut I'm Good. The Crying Tape, the Berlin-based musician releases her new album 2009. The nine-song work was primarily created in Istanbul and Berlin and will be released on April 24, 2026 via Mansions and Millions.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eFor the album, Nalan creates a fictitious 2009, fed by her own digicam archive from back then, from which the entire artwork also comes, and the memories that arise while writing. Sometimes it is transfiguring and nostalgic, as in her track Everything was Easy in 2009, then again dark and lamenting, as in Down The Drain or Ok. 2009 is both the monster that can be seen on the cover and the girl in the background, of whom it is not clear whether she is laughing or crying.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe song 59:1 (fiftynine to one), for example, is about the live club of the same name in Munich, which had to close its doors in 2013 and where Nalan spent her youth going to concerts. Seems almost logical that, in addition to the members of her current live band, she also worked with musicians from the Munich indie and punk scene of that decade. Hisahi Yamamoto (Like Loonies, Nalan's first band), Attila Sarıtaş (Kafkas Orient Bazaar) and Martin Brugger (This Is The Arrival, now squama recordings) each contributed parts.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn terms of sound, however, Nalan moves in the opposite direction and continues to spin the futuristic alt-pop style of her debut. The album is simultaneously live-heavy and electronic- experimental. Pithy synth sounds and plucked guitars create an absorbing contrast and thus create space for Nalan's vocals to develop freely. Sometimes they can be heard clearly, sometimes speaking or impulsively in the background. The drums on the album are deliberately reduced, but have it all, and even the undead nu metal makes an appearance at one point. The sometimes autobiographical, sometimes fictional lyrics deal with desire as in Apple, the class struggles of growing up as in Down The Drain, crushes as in Everything was Easy in 2009 and the feeling of not really having anything to say as in I've Got Nothing to Say. The production by walter p99 arkestra, who also produced Nalan's debut, focuses on texture and atmosphere throughout. Nalan can be seen on tour in April and May 2026.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003eTracklist:\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003cstrong\u003e\u003cspan data-sheets-root=\"1\"\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e01. Apple\u003cbr\u003e02. 59:1 (fiftynine to one)\u003cbr\u003e03. I Like You\u003cbr\u003e04. Ok\u003cbr\u003e05. Down the Drain\u003cbr\u003e06. Heavy Metal\u003cbr\u003e07. I've got Nothing to Say\u003cbr\u003e08. Stars\u003cbr\u003e09. Everything was Easy in 2009\u003c\/p\u003e","brand":"Nalan","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52329283387720,"sku":"MAMI54LPR","price":26.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/Nalan_Mockups_V2_Vinyl_3.jpg?v=1769706273"},{"product_id":"nalan-im-good-the-crying-tape","title":"Nalan - I'm Good. The Crying Tape","description":"\u003ciframe data-testid=\"embed-iframe\" style=\"border-radius:12px\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/3uCTJiV88X6OpRidEFoLra?utm_source=generator\" width=\"100%\" height=\"152\" frameborder=\"0\" allowfullscreen=\"\" allow=\"autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\n\u003cdiv class=\"tralbumData tralbum-about\"\u003eNALAN, that means quite literally \"the screaming one\" and \"the wailing one\". Perhaps also the one who can give suffering a fleeting form through the vibration of her vocal cords. And it is also both the civil name and the new pseudonym under which Nalan Karacagil will release her (at least technically speaking) debut album \"I'm Good. The Crying Tape.\"\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eThe record is conceived, it couldn't be otherwise, as a kind of modern siren song that should literally make you cry. But all this can be interpreted positively, especially on the musical side. The album also sounds like skating on Tempelhofer Feld in Berlin, warm summer wind and breaking into the swimming pool as a distant memory of youth. A time machine to the teenage years, when the world seemed to consist only of pain and joy.\u003cbr\u003eAccordingly, the record is composed of melancholy-tinged and cheerful songs, electronic synth surfaces, Timbaland-esque and 90-jungle inspired drum machine beats on one side of the spectrum, guitars and drums on the other.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSo why technically the debut album? Well, in recent years, Nalan appeared mostly as part of the group Gaddafi Gals. But besides that, she also released her first solo EP “ugly” in December\u003cspan class=\"bcTruncateMore\"\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e2018, at that time still under her moniker slimgirl fat, under which she continues to DJ, while two EPs had already been released under the name Nalan381 before Gaddafi Gals. So far, so complicated. Anyway, for her upcoming first solo album she is now working for the first time with the Berlin label Mansions and Millions.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e“I'm Good. The Crying Tape”: this is also the most personal phase in the work of the musician and writer so far. Right on the first day of the first lockdown, when it was feared that she would really only be able to go out on the street to shop, to spend months in quarantine, she began work, and indeed the first single “I'm Good” was born on that first evening. In the end, it turned into eleven songs.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOn the producer side, the musician worked with walter p99 arkestra, who also served as executive producer and is also part of Gaddafi Gals, keyboardist Kiara Bo, and David Tobias of Dürerstuben.\u003cbr\u003e\"The album has a bit of a script, each song is like a single chapter for me, in which I highlight themes from different perspectives and moods,\" says Nalan himself.\u003cbr\u003e\"I'm Good,\" for example, is about the question \"How are you?\" to which one can almost only answer with a phrase. “Good. what else could it be?”. The single accordingly sounds very cheerful at first, but it quickly becomes clear that much of this is only happening on the surface. As \"good\" as one was promised, it does not end, that much can be revealed.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eIn \"Only Birds Can Tell\" this surface is also broken sound-technically, the piano chords sound melancholic, the 808 hums gloomily. In addition, the artist sings about the tragic loss of her grandmother, with whom she had grown up for a time and about strategies to remain positive and strong despite everything.\u003cbr\u003eThe story takes its course. \"Bed of Tears\" describes a feeling of powerlessness, the doubt about one's own existence, told like an abstract, fantastic film. Nothing seems real, everything like a dream from which you do not wake up, once again fueled by the apparent contradiction between poppy sounds and plaintive vocals.\u003cbr\u003eThe bonus track \"Son Kez\" (English \"one last time\") in turn is the only song in Turkish. It was inspired by covers songs she published on her Instagram channel, where for once she did not sing in English. The track, as Nalan, who grew up bilingually, describes it herself, could only be written and thought in Turkish. It ironically describes the despair of unrequited love, in which the main character unintentionally turns out to be a stalker in the end.\u003cbr\u003eThe slow-building \"Crush,\" the last song on the album, feels like catharsis for everything that came before it. Everything is shouted out, the positive as well as the tragic, for now at least.\u003c\/span\u003e\u003cspan\u003e \u003ca\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/span\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003ch3 class=\"credits-label\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTracklist:\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e01 - Be Mine Pt. 1\u003cbr data-start=\"18\" data-end=\"21\"\u003e02 - I'm Good\u003cbr data-start=\"34\" data-end=\"37\"\u003e03 - Falling 4 You\u003cbr data-start=\"55\" data-end=\"58\"\u003e04 - Sorry\u003cbr data-start=\"68\" data-end=\"71\"\u003e05 - Only Birds Can Tell\u003cbr data-start=\"95\" data-end=\"98\"\u003e06 - Mess It Up\u003cbr data-start=\"113\" data-end=\"116\"\u003e07 - Be Mine Pt. 2\u003cbr data-start=\"134\" data-end=\"137\"\u003e08 - Bed Of Tears\u003cbr data-start=\"154\" data-end=\"157\"\u003e09 - Rewind\u003cbr data-start=\"168\" data-end=\"171\"\u003e10 - Crush\u003cbr data-start=\"181\" data-end=\"184\"\u003e11 - Son Kez\u003c\/p\u003e","brand":"Nalan","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52446660952392,"sku":"MAMI33LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/Nalan_2021_ImGood-cover.jpg?v=1770640704"},{"product_id":"paycheque-paycheque-vinyl","title":"Paycheque - Paycheque Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe data-testid=\"embed-iframe\" style=\"border-radius: 12px;\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/0SKergeG1jqceKcvCw8c9J?utm_source=generator\u0026amp;si=5079972352cc4586\" width=\"100%\" height=\"152\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePaycheque began with a chance meeting on the patio of Los Angeles venue Zebulon in February 2020, just before the world shut down.  Allison Goldfarb, a filmmaker and musician from St. Louis, and Jackson MacIntosh, a member of TOPS and Drugdealer and a longtime fixture in the Montreal music scene, had been orbiting similar social circles before being introduced at a mutual friend’s show. They struck up an immediate friendship and exchanged mix CDs, bonding over a shared love of sophisti-pop and italo. As the COVID lockdown set in and tours and work disappeared, the duo retreated to a garage studio to play with synthesizers and drum machines, where they discovered their chemistry extended to songwriting. Their formless synth jams quickly coalesced into the polished, artfully arranged pop songs that would form their first album. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePaycheque’s debut LP wears its 80s pop influences on its sleeve, awash with gated drums, clean guitar lines, and vintage hardware synths. But if you look past these spatial and temporal origin points, one finds a record that is very much of present-day Los Angeles.  Recorded throughout 2024 and 2025 in a home studio right next to their kitchen, Goldfarb and MacIntosh saw the roof of the abandoned stables in their backyard ripped away by the Santa Ana winds that fueled the region’s devastating fires. Soon after the completion of the record, the house itself was fated for demolition. This sense of impermanence, long characteristic of Los Angeles but now newly urgent, haunts the album.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePaycheque are keen observers of this brittle Los Angeles: the uncertainty that comes from fire and ICE, the capriciousness of its metonymic entertainment industries, the superficiality that accompanies ambition, and, underneath it all, the aleatory nature of art, love, and success. The album’s sensibility is evident in the band’s name itself, which cheekily gestures at and distinguishes itself from its influences. The Canadian English evokes the duo’s Montreal history, while the quotidian nature of the word serves as a playful counterpoint to its stylistic inspirations –think Depeche Mode, New Musik, Pet Shop Boys– and their associations in the cultural memory with the purported glitz and glam of the Reagan-Thatcher years.  While glossy and almost impossibly catchy, this is pop music of the wage, not the salary.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe album unfolds cinematically, like a series of vignettes; images, moods and characters conjured with cool economy, scenes of worldly skepticism and cautious romanticism.  Opening single “Generic Actress” provides a kind of thesis statement (“Well a job’s what you make it, and nothing’s for free”) and describes the bargain that Los Angeles has offered to so many – “Would you take this endless weekend, or a dreary Monday afternoon?”  It takes only the first two lines for “It’s So Obvious” to produce an indelible metaphor – “Was it the way you said my name \/ That felt like walking away?” On pithy, guitar soaked third single “Heatwave,” an indirectly sketched but immediately recognizable subject is “armed with all the charm of an only son.”  The narrator of “Acquaintances” captures the alienating churn of loose bonds: “Unembarrassed \/ Unemployed \/ What’s the point \/ I’m not the person that you want me to be \/ This conversation feels lonely.”  With the plaintive “Camouflage,” inspired by an easy-listening reggae mixtape made by labelmate Better Person, the album departs into a dubby fog, looking back on what has been lost, searching for what still might be found - “There’s nothing to share \/ Or to do \/ The parts rearranged \/ The play has been staged \/ Where are you?”\u003c\/p\u003e","brand":"Paycheque","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":52823138107720,"sku":"MAMI56LP","price":22.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/Front_Cover_Mid.jpg?v=1775131678"},{"product_id":"stephen-steinbrink-in-a-split-mirror-vinyl","title":"Stephen Steinbrink - In a Split Mirror Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLimited to 300 copies. Black vinyl in a spined sleeve with a 12\" insert and a Japanese OBI strip.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eOver the past two decades, Stephen Steinbrink has established himself as one of the most distinctive songwriters on the U.S. West Coast, with a rarely matched talent for poetic imagery. It is superficially ironic, then, that such a singular artistic voice should be so closely concerned with how slippery the individual self is: its permutations over a life course, its shifting, shimmering boundaries, and cumulative weight over time. Dreams would seem to offer access to the self in its purest form, shorn of outside influence. Yet in dreams, a steady self is even more elusive than in waking life, as we are just as liable to be transmuted into childhood versions of ourselves as to become another person entirely. In A Split Mirror reckons with the dream of living as an artist today, when the very conditions that might sustain a private artistic life are increasingly eroded by the unrelenting content flood. Dreams, then, serve as a perfect entry point for exploring the contradictory nature of self on Steinbrink’s tenth album, In A Split Mirror.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIn A Split Mirror was conceived largely in solitude during recaptured hours at Headlands Center for the Arts, the storied artist residency on a decommissioned military base that Steinbrink helps run. In a 120-year-old basketball court with twenty-foot ceilings overlooking the Pacific Ocean, Steinbrink allowed the scale of the room to alter the album’s sense of time and proportion as he wrote and recorded over the course of two years.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMusically, the album marks a deliberate movement away from the rough-hewn approach of Utopia Teased and Disappearing Coin, toward a new spaciousness, with arrangements that feel minimal, lucid, and open. Steinbrink’s vocal fluidity and meticulous arrangements ebb and flow in intensity and softness, crackle and hiss with emotion and poise, echoing and deepening the uncanny images and sensations that his writing describes. Though featuring contributions from longtime collaborators pianist Andrew Dorsett (LAKE), saxophonist and composer Cole Pulice, drummer Chase Kamp (Body Double), and pedal steel player Nick Levine (Jodi, Al Menne), the album remains primarily a Steinbrink construction: guitar, drum machines, and astonishingly organic synth pads, produced and mixed in a straightforward style, lush and ornate but not glossy. The result is a minimalist movement through genre that has become recognizably Steinbrinkian.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eThroughout the album, doubles, mirrors, facsimiles, transformed bodies, and unstable memories recur not as decorative surrealism, but as a symbolic language closer to the truth than stable narration would allow. As Steinbrink asks in the opener “It’s Not My Dream”: “what’s a song if I can’t sell it?” From this dyad—the dream internal and the dream external—In A Split Mirror traces a path through the kaleidoscope of the self. On the three-part suite “Calcified,” a surreal image provokes an existential ache when he wakes up from “the dream, that my father was a boat,” and wonders next, “is my true nature going to change?” before dissolving into an aeriform drone of Casio, saxophone and cello. With “I’m a Swimming Pool,” as guitars and piano shimmer and flow in ornate cascades, Steinbrink evokes the dissolution of self that can come from total immersion in a scene: the taste of chlorine leading to union with the pool, the mind “alkaline,” the self “rippling.” In the recursively psychedelic “I’m a Worm”, the “I” shifts from pool to apple, the narrator occupying both sides of the antinomy of part and whole, first singing “if the world is an apple, I guess that I am the core,” then revising it to “if the world is an apple, I guess that I am a worm.”\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eThe album’s central refraction point is, appropriately enough, “Magic Mirror,” where Steinbrink most directly addresses the trickiest aspect of the self: its ineluctable tendency to change. One’s past identity is encountered as a doppelgänger when, similarly but no longer selfsame, “an image melts into a scene \/ of a person in two thousand three \/ who looks suspiciously like me.” Once one’s own memory takes on the uncanny quality of a dream—distorting it but no less true—Steinbrink is led to ask: “have I always been two human beings?” Memories as distorting mirages come to the fore in the nearly slow-core “Driving Around in Arizona,” which finds Steinbrink in a more sociological mode, less frequently deployed but one of his most powerful. He returns to the arid exurbia of his youth and incisively captures how “subtle violence” of the built landscape causes a spiritual deformation, and how “it caused so many good people to isolate themselves from community; to isolate themselves from the face of love.” He tangles emotional geography with psychic economy, showing how memory at once shapes and shrouds the self, especially when re-encountering the places and faces that first shaped his identity: “pulling the thread on your history \/ you find someone you could never be.” The images, like energy, “can transform but never disintegrate.” A resolution of sorts is found in the airy closing track “Opening Windows in May,” the self aligning finally in a concrete present, rendering an integrated picture of one part of the planet, anchored in time through the seasons’ rhythms and rituals.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eIn A Split Mirror suggests that identity may be least true when it seems most coherent, and Steinbrink finds much greater value from what is available when refracted, misremembered, or dissolved into its surroundings. Rather than resolve these fractures, the album lingers inside them, attentive to the strange continuities that survive life’s transformation. The beauty of his work lies in its fidelity to instability: what is most fragile and mutable in a person is also what remains most vivid.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eSedimentary Archive, the new imprint from Berlin-based label Mansions and Millions, launches with Stephen Steinbrink’s In A Split Mirror as its first release. Mansions and Millions has been shaped by Berlin's underground community of left-field pop musicians, its catalog growing from a specific social and artistic scene of friends and collaborators. Sedimentary Archive carries that sensibility into a wider frame, creating space for idiosyncratic pop music made outside its immediate geography.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003eMastered by Chuck Johnson. Artwork by Nicole Lavelle.\u003cbr\u003eReleased by Sedimentary Archive, a division of Mansions \u0026amp; Millions.\u003c\/p\u003e","brand":"Stephen Steinbrink","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53873400906056,"sku":"ARCHIVE001LP","price":25.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/cover_65701a2e-8f44-4e7a-a06f-e03b9f8a2c84.jpg?v=1787221494"},{"product_id":"world-brain-world-vs-brain-10-ep","title":"World Brain - WORLD VS BRAIN 10\" EP","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePre-Order. Limited to 500 copies. 10\" EP with printed inner sleeve.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTwo albums — and now one EP — in, Lucas Chantre’s WORLD BRAIN project remains preoccupied with the computerization of our world and the virtualization of everyday life it produces. It is animated by the admixture of romanticism and critique, both of which seem to become rarer as the digital seeps further into society’s core. On WORLD VS BRAIN that critical edge is sharper than ever. On the sardonic “Wetware,” old speech-to-text software gives voice to an artificial intelligence’s mocking disdain for obsolescent humans; with the muted “Thumbnail,” Chantre ponders the enervating pursuit of exposure and illusory connection online.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eWhile the music here is inflected by technological detachment, there remains a beating heart of unguarded sentiment. Part love song and part cosmic fable, the ingenuously lovely “Life In Theory,” where Chantre is joined on flute and lead vocals by Japanese musician Kumisolo (Kumi Okamoto), with backing vocals by Miyo Okamoto, transposes the themes of virtuality and reality to the most fundamental plane of existence. “Anyhow” is one of the most affecting songs in the WORLD BRAIN catalog, a plaintive olive branch offered to a prickly father figure over brumous, almost sleep-walking instrumentation.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eChantre has a knack for creating curious, disarmingly original instrumental tracks, demonstrated here with the trio that anchors the EP. Opener “Test Screen” serves as a kind of wordless thesis statement, lo-rez sampled vocal notes gallivanting over ambivalent oddball orchestration. The spy-movie bassline of “Split Vision” grounds an interlude capturing the nervy hypervigilance of a crisis-shadowed present, while closing track “WB menu theme,” long a fan-favorite at live performances, is equal parts festive medieval march and retro video game score.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTaken as a whole, the result is a truly unique sound: melancholy but jaunty, nostalgic yet futuristic, its clear affection for its influences and precedents no impediment to the achievement of a fully new synthesis.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMastered by Emilie Daelemans. Artwork by Lucas Chantre.\u003c\/p\u003e","brand":"World Brain","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53873401364808,"sku":"MAMI58LP","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/FRONT_WEB.jpg?v=1789461509"},{"product_id":"world-brain-open-source-red-marble-vinyl","title":"World Brain - Open Source Red Marble Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLimited Red Marble Vinyl. Only 100 copies available.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eWORLD BRAIN last graced us with a solo release with 2019’s Peer 2 Peer. As its name suggests, that album explored the promise and perils of universal connectivity via quirked-up songwriting and instrumental psychedelia. His new release, Open Source, deepens this internal and external journey. Bursting beyond the four walls of ‘bedroom pop’ and reflecting a move from Berlin to Paris—where much of the album was recorded—and on to Brussels, the album has a jazzy, cinematic scope (as on the Brubeck-inspired march “Fromage collatéral,”) enveloping the listener in a cosmic-pastoral audiosphere. There are still many tones that evoke the software sounds of decades past (the exemplar here is “cAPTCHA,” whose virtual marimba and vocalese suggest a breathless, Exotica-inspired introduction .mov for the information superhighway) but the palette has become richer and more organic, lead by the woodwinds which play a major role throughout, with flute provided by labelmate Martha Rose. (On the aforementioned “cAPTCHA” one also hears the world-class whistling talents of the incomparable Molly Lewis.) Yet the single most noticeable new element may be the use of WORLD BRAIN's native French, sung by his sister Noémie on “Ville fleurie” and the gorgeous, fluttering “Minute papillion” (the title an idiomatic injunction to slow down!) WORLD BRAIN initially wrote these lyrics in English, but felt something wasn’t quite right, only realizing what was off when he heard them sung in another language. That spirit of discovery – of finding a new spark in returning home – suffuses Open Source. It invites us to play, beckons us to relax, reminds us to find serenity amidst the churn of the present: minute papillon, dans le tourbillon.\u003c\/p\u003e","brand":"World Brain","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":53940689994056,"sku":"MAMI45LPR","price":25.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/world_brain_open_source_red_marble_vinyl_2000.jpg?v=1791139983"},{"product_id":"discovery-zone-john-moods-dreaming-for-miles-black-vinyl","title":"Discovery Zone \u0026 John Moods - Dreaming For Miles Vinyl","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe data-testid=\"embed-iframe\" style=\"border-radius: 12px;\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/4aE4hiFOL0gIFfxe33fI0h?utm_source=generator\u0026amp;si=64747c94cc2247ab\" width=\"100%\" height=\"152\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e Finally available on Vinyl! Including printed lyric sheet. “The heart is a book. We write on it, and it remains.” Anamnesis is a force of recollection, a road into the world of memory. It literally means “to make a past event present now.” This album is a little portal, a mechanism by which we ended where we began – making music together. 'Dreaming for Miles' is a collection of songs that were written over the past ten years or so by JJ Weihl and John Moods, alone and together, and recorded between our basement practice space where we started our band Fenster many years ago, and at our home in Berlin. After spending over a decade living together and playing music together, our lives began to pull us in different directions. During the process of our separation, we decided to make a last record together. It felt impossible at times, but ultimately, extremely rewarding to work through the archive of our life in this way, and in doing so, let go of a lot, to be able to meet each other on the other side. We played, produced and mixed every song without trying to be too precious about anything. It was mostly recorded on a Tascam Portastudio 488 between the winter of 2023 and 2024. Some of the songs were old demos we never finished, plucked from obscurity, and some were newer songs that came about during the recording process. It’s an imperfect attempt at making an album during a breakup, at saying farewell to a life we shared, and at starting a friendship as different versions of ourselves, changed by one another.\u003c\/p\u003e","brand":"Discovery Zone \u0026 John Moods","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54181149081928,"sku":"MAMI52LP","price":24.99,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/discovery_zone_john_moods_dreaming_for_miles_vinyl_sq.jpg?v=1791138263"},{"product_id":"discovery-zone-john-moods-dreaming-for-miles-vinyl-tote-bag-bundle","title":"Discovery Zone \u0026 John Moods - Dreaming For Miles Vinyl + Tote Bag Bundle","description":"\u003cp\u003e\u003ciframe data-testid=\"embed-iframe\" style=\"border-radius: 12px;\" src=\"https:\/\/open.spotify.com\/embed\/album\/4aE4hiFOL0gIFfxe33fI0h?utm_source=generator\u0026amp;si=64747c94cc2247ab\" width=\"100%\" height=\"152\" loading=\"lazy\"\u003e\u003c\/iframe\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Discovery Zone \u0026 John Moods","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54181236212040,"sku":"MAMI52BUNDLE","price":34.99,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/discovery_zone_john_moods_vinyl_tote_bundle_sq.jpg?v=1791138267"},{"product_id":"world-brain-world-vs-brain-10-open-source-vinyl-bundle","title":"World Brain - WORLD VS BRAIN 10\" + Open Source Vinyl Bundle","description":null,"brand":"World Brain","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54214456475976,"sku":"MAMI58BUNDLE","price":39.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/world_brain_wvsb_open_source_vinyl_bundle_v4.jpg?v=1791191308"},{"product_id":"discovery-zone-remote-control-dreaming-for-miles-vinyl-bundle","title":"Discovery Zone - Remote Control + Dreaming For Miles Vinyl Bundle","description":null,"brand":"Discovery Zone \u0026 John Moods","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54214456672584,"sku":"MAMI24BUNDLE","price":49.99,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/discovery_zone_remote_control_dreaming_for_miles_vinyl_bundle_v4.jpg?v=1791191317"},{"product_id":"better-person-its-only-you-something-to-lose-vinyl-bundle","title":"Better Person - It's Only You + Something To Lose Vinyl Bundle","description":null,"brand":"Better Person","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54214499107144,"sku":"MAMI07BUNDLE","price":35.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/better_person_its_only_you_something_to_lose_vinyl_bundle.jpg?v=1791139804"},{"product_id":"martha-rose-close-to-close-vinyl-learning-love-tape-bundle","title":"Martha Rose - Close to Close Vinyl + Learning Love Tape Bundle","description":null,"brand":"Martha Rose \u0026 GRIP TIGHT","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":54219170054472,"sku":"MAMI44BUNDLE","price":33.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0840\/2170\/7080\/files\/martha_rose_close_to_close_learning_love_bundle_v3.jpg?v=1791191323"},{"product_id":"m-m-vinyl-mega-bundle","title":"M\u0026M Vinyl Mega Bundle","description":"\u003cp\u003eBecome a M\u0026amp;M super-fan with just one purchase! This is the ultimate collection of all vinyl releases that are still available! This includes:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eWorld Brain - WORLD VS BRAIN 10\" EP\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eWorld Brain - ‘Open Source’ Vinyl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSean Nicholas Savage - ‘The Knowing’ Vinyl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDiscovery Zone \u0026amp; John Moods - Dreaming For Miles Vinyl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNalan - 2009 Black Vinyl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMartha Rose - ‘Close to Close’ Vinyl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePaycheque - Paycheque Vinyl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBetter Person - ‘It's Only You’ Vinyl\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eJ. 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